Accidentes Perfectos.

Carta abierta al ministro de cultura peruano. de Victor Vich.

2011-07-10T18:42:00.000-07:00

El presidente de Perú, frente al "Cristo del Pacífico", monumento de fibra de vidrio que se alza sobre el morro solar en Chorrillos.

El saliente presidente del Perú, Alán García decidió, de manera autoritaria, mandar a construir y colocar una monumental escultura de Jesús, en la cumbre del Morro Solar de Chorrillos, similar al famoso Jesús de Brasil. El sector cultural ha protestado enérgicamente por dicha decisión. El crítico literario y estudioso de la cultura, Victor Vich publicó a este respecto una carta dirigida al ministro de cultura peruano que a continuación mostramos:

Quizá en un país como el Perú nada hubiera podido impedir que Alan García instalara ese Cristo en el morro solar. La falta de instituciones (y de unos medios de comunicación que nunca ayudan a redefinir la política) da pie a que ella siga entendiéndose como la necesidad de hacer “grandes obras” y nunca como la urgencia por construir aparatos institucionales sólidos y descentralizados que impidan el paso de la autoridad al autoritarismo. La falta de instituciones en el país promueve que un Presidente, cual Rey, pueda hacer lo que quiera, como quiera y donde quiera.

Pero en esta historia del Cristo en el Morro Solar, sí hay un responsable adicional y es necesario decirlo aunque ello me cueste el saludo y la amistad universitaria. Me refiero al Ministro de Cultura Juan Ossio. Me explico mejor: si ha existido alguna autoridad que pudo haber contribuido a frenar tal barbaridad, esa debió haber sido el Ministro de Cultura, quien debió mostrar su disenso y no defender lo indefendible. ¿Por qué no lo hizo? La respuesta no es difícil: porque en el Perú hasta los sectores más ilustrados siguen entendiendo la política como una “prebenda” y como un conjunto de favores que hay que agradecer; porque en el Perú la política sigue siendo una suma de complicidades con el “amo tutelar” a quien nunca hay que cuestionar y al que hay que

apañar en todos su engreimientos.

El Ministro Ossio debió discrepar de tal atentado contra la ciudad y liderar la oposición contra ese monumento vergonzoso que es una ofensa múltiple a nuestra propia tradición religiosa, al espacio público, a todos los artistas del país y a las propias políticas culturales que en este momento muchos colectivos, intelectuales y activistas están intentado ejecutar en el Perú. El Ministro Ossio debió renunciar a su cargo y hacer entrar en razón al presidente, o enfrentarse a él. Quizá, si él renunciaba, hubiera existido una pequeña crisis de gabinete y algo se hubiera podido negociar. El propio Ministro hubiera podido liderar la oposición con todo el sector cultural y ello hubiera contribuido a su mayor cohesión. No conozco a nadie del sector cultural que se encuentre a favor de ese monumento atroz e indefendible. No hay que ser ningún radical para afirmar que se trata de una obra absolutamente demencial.

Pero lo que más llama la atención de toda esta historia es que el Ministro Juan Ossio sea un antropólogo de profesión, es decir, una persona que apuesta por las particularidades locales y que las defiende y las fomenta. La antropología, hasta donde yo sé, hace todo lo contrario a promover la imitación burda de otras culturas y ha sido justamente esa disciplina la que ha descubierto que ese tipo de prácticas son siempre un gesto autoritario de poder.

Da mucha pena que el Ministerio de Cultura termine así su primer periodo de funcionamiento. Hoy sabemos que la aprobación de tal monumento sólo duró un día en Ministerio de Cultura. Es muy triste haber descubierto eso. O quizá haya que decirlo mucho más académicamente: en lugar de convertir a la cultura en un agente que contribuya a la construcción de una mayor ciudadanía garantizando, sobre todo, el derecho de las minorías, lo que hoy tenemos son las muertes de Bagua, Islay, la crisis actual con la comunidad Aymara y los decretos que fomentan la impunidad en la gestión pública; en lugar de utilizar la cultura para introducir nuevas representaciones que cuestionen a los poderes existentes, lo que tenemos es un ministerio que se somete al poder y que avala la imposición de una copia. Mucho más aún: en lugar de fomentar a la cultura como la instancia más crítica de una sociedad (al estilo de la crónica de Guamán Poma), lo que hoy se nos entrega es su conversión en una institución servil a un presidente loco. Tristísimo. O patético, por decir lo menos.

Víctor Vich

Visto en : ARTE NUEVO.

Feminismos transdiciplinarios: teorías y acción cultural (MUAC-MÉXICO)

2011-06-21T18:30:00.000-07:00

(Imagen: Maris Bustamante, artista-"performancera")

Dentro del programa "Campus Expandido" del Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC-México) se llevarán a cabo una serie de sesiones tituladas "Feminismos transdiciplinarios: teorías y acción cultural" impartidas los lunes por la doctora Helena López entre agosto y Septiembe. Un taller que suena, en verdad, de gran interés. Aquí el programa:

• Feminismos transdisciplinarios: teorías y acción cultural
Imparte: Helena López (PUEG-UNAM)
Lunes de 11:00 a 14:00 horas, Arkehia Agosto 8 y 22 Septiembre 5 y 19 Octubre 3, 17 y 31 Noviembre 14 y 28 Cupo limitado a 30 personas Enviar carta de motivos a pueg_investigacion@yahoo.com (con copia a hlgo@hotmail.com indicando asunto de email: feminismos transdisciplinarios
Descripción
La propuesta de Feminismos transdisiciplinarios tiene varios objetivos:

-Fomentar un pensamiento-acción feminista.
-Reflexionar tanto sobre la trayectoria histórica como sobre el futuro del feminismo en Latinoamérica y otros escenarios globales.
-Promover las prácticas transdisciplinares.
-Combinar el pensamiento teórico con la práctica artística.

Metodología
Taller quincenal téorico-práctico. A lo largo de 9 sesiones de 3 horas la estructura básica combinará dos tipos de actividades:

-Lectura y discusión colectiva de textos teóricos siguiendo el formato de grupos de lectura.
-Proyecto de intervención artístico-documental en el que participará la artista Mónica Mayer con varios miembros del Taller de Arte y Género (TAG).

Dirigido aEstudiantes de últimos cursos de licenciatura, de posgrado y público en general. Es necesario tener habilidades básicas de lectura en inglés. Las lecturas se subirán a la página web del taller. Cupo limitado a 30 asistentes

Inscripciones e informes:

Enviar carta de motivos a pueg_investigacion@yahoo.com (con copia a hlgo@hotmail.com) Indicando como asunto del email: Feminismos transdisciplinarios.

Calendario
Lunes de 11.00 a 14.00 en el MUAC. De agosto a noviembre de 2011 en sesiones quincenales.

•8 de agosto: introducción al taller.

• 22 de agosto. texto/mujer: Roland Barthes “De la obra al texto” (1971). Joan Riviere. “Womanliness as a masquerade” (1927). Simone de Beauvoir. Fragmentos de El segundo sexo (1949)

• 5 de septiembre: Proyecto de intervención artístico-documental. Con Mónica Mayer y el TAG.

• 19 de septiembre. mujeres: Combahee River Collective Statement (1977). bell hooks. “On self-recovery” (1989) y “Feminist theory: a radical agenda” (1989). Donna Haraway. “Manifiesto cyborg” (1984).

• 3 de octubre: Proyecto de intervención artístico-documental. Con Mónica Mayer y el TAG.

• 17 de octubre.sujetos/identidad: Beatriz Preciado. “Multitudes queer” (2004). David Córdoba”Identidad sexual y performatividad” (2003). Linda Martín-Alcoff. “Who's afraid of identity politics?” (2000).

• 31 de octubre: Proyecto de intervención artístico-documental. Con Mónica Mayer.

• 14 de noviembre. nosotras: Yuderkis Espinosa. “A una década de la performatividad” (2007) y “La relación feminismo-lesbianismo en Latinoamérica” (2007). Rita Laura Segato. “Femi-geno-cidio como crimen en el fuero internacional de los Derechos Humanos: el derecho a nombrar el sufrimiento en el derecho” (2010).

• 28 de noviembre: Proyecto de intervención artístico-documental. Con Mónica Mayer y el TAG.

Imagen del día: Réponse de femmes (1975)

2011-03-29T22:30:00.000-07:00

Agnés Varda es una directora de cine feminista nacida en Bélgica pero que trabaja en París. Su obra abarca varios géneros que incluyen el corto y la vídeo instalación. Acá presentamos este interesante corto ( Réponse de femmes -1975- con subtitulos en español) qué parte de una aparentemente sencilla pregunta ¿qué es ser mujer?, a las múltiples respuestas se van tejiendo nuevas interrogantes que encaminan la reflexión hacia los estereotipos de género y las opresiones sutiles del patriarcado, que sufren día a día las mujeres. Todo esto a través de un discurso visual ágil y bien armado.

Claro, se puede objetar que el pensamiento feminista ha avanzado mucho desde esos años y que sus posturas son criticables desde el propio feminismo (o feminismos) contemporáneo, sin embargo creo que es aun potente, alegre y deliciosamente desafiante, además de que conserva su relevancia social pues ¿cuántas mujeres son feministas? y más aun ¿cuantas son feministas al tanto de los debates contemporáneos en torno, por ejemplo, a las distintas posturas de la epistemología feminista o los problemas que acarrea el surgimiento de discursos postcoloniales o multiculturales al trabajo teórico-práctico-político del feminismo?, sabemos que pocas, la bomba de Agnés sigue activa.

Gracias Eloísa por el Link.

Más. En Cinencuentro.

Imagen del día: Encuentro sobre estética y violencia: en la frontera sur.

2011-03-16T12:46:00.000-07:00

El MUAC (Museo de Arte Contemporáneo) de la ciudad de México invita a este interesante encuentro, como despliegue o ampliación de una serie de exposiciones y debates en torno a estética y violencia que se han venido exponiendo en este espacio. Suena realmente interesante y pertinente.

Director Arturo Taracena

Invitan Campus Expandido y Programas Públicos del Museo Universitario Arte Contemporáneo, MUAC

El Programa Académico Campus Expandido y los Programas Públicos del MUAC en la actualidad trabajan con el cuestionamiento sobre la relación entre estética y violencia. Como parte del ciclo curatorial Fantasmas de la Libertad, el actual programa vigente de exposiciones de la serie deMicropolítica está presentando propuestas artísticas dentro de las cuales se encuentran muestras como Móvil, de la guatemalteca Regina Galindo; Plegaria Muda, de la colombiana Doris Salcedo; yObstruir, destruir y ocultar, dos décadas, del argentino-mexicano Enrique Ježik. Además de apostar por una práctica artística de carácter polémico, el MUAC está interesado en generar un espacio para la elaboración crítica, el debate y el diálogo. El proyecto Estética y Violencia del Programa Académico Campus Expandido inaugura su primer espacio de discusión con el encuentro: En la frontera sur; en él se pretende generar, desde la articulación entre práctica y teoría, un foro que permita a la comunidad académica y cultural reflexionar, debatir e investigar sobre las condiciones de la violencia como una de las formas de experiencia contemporánea que están marcando la configuración de nuestras sociedades y que, en el caso de la frontera sur y los países que la comparten, adquiere dimensiones insospechadas.

En la frontera sur se viven hoy en día dinámicas sociales que están acompañadas por grandes dosis de violencia. En ello inciden fenómenos como el tráfico de humanos, de drogas, de armas y de capitales, la supervivencia del racismo y de los prejuicios sociales, la impronta de Estados nacionales con prácticas y políticas monoculturales, la pobreza extrema, la impunidad, etc. De ahí la imperiosa necesidad por conocer los trabajos críticos de estas condiciones vividas en la frontera Sur y que hoy por hoy dan cuenta hombres y mujeres tanto en la plástica, como en la investigación. En el MUAC, queremos hacerlo partícipe a través del ciclo de conferencias y documentales.

PROGRAMA [Auditorio MUAC / Entrada libre]

Viernes 1 de abril, 17:00 a 19:00 hrs.

En la frontera sur: I

• Santiago Bastos

(Centro de Investigaciones y Estudios Superiores en Antropología Social-CIESAS, Guadalajara)

El desborde de la violencia en Guatemala después de los Acuerdos de Paz

• Rachel Sieder

(Centro de Investigaciones y Estudios Superiores en Antropología Social-CIESAS, ciudad de México)

Derecho consuetudinario versus derecho positivo

Modera: Mariana Botey

(Coordinadora del seminario Zonas de Disturbio en Campus Expandido)

Sábado 2 de abril, 12:00 a 14:30 hrs.

En la frontera sur: II

• Jorge Ramón González Ponciano

(Centro de Estudios Mayas del Instituto de Investigaciones Filológicas de la Universidad Nacional Autónoma de México, Chiapas)

Maras y violencia simbólica en ámbito urbano guatemalteco

• Manuela Camus

(Universidad de Guadalajara, Guadalajara)

Frontera, migración y violencias en las comunidades Mayas de Guatemala

• Manuel Ángel Castillo

(El Colegio de México)

La dimensión internacional del drama migratorio

Modera: Arturo Taracena

(Centro Peninsular en Humanidades y Ciencias Sociales y Humanidades-UNAM, Mérida)

Sábado 2 de abril, 17:00 a 20:00 hrs.

Intervenciones Documentales

Presenta Carlos Flores

Sipakapa No se vende (55 minutos – Caracol Producciones – Guatemala – 2005)

En 2005, Montana Exploradora, subsidiaria de la compañía estadounidense-canadiense Glamis Gold, recibió un subsidio de 45 millones de parte del Banco Mundial para explotar una mina a cielo abierto en las cercanías de la comunidad de Sipakapa, San Marcos, Guatemala. Siguiendo los lineamientos del Convenio 169 de la OIT, del cual Guatemala es país signatario, la comunidad desarrolló una consulta para establecer si permitían o no la explotación minera en su municipalidad. El resultado de dicha consulta fue NO y este documental analiza los debates que se dieron para llegar a tal conclusión.

Coyote (81 minutos – Director: Chema Rodríguez – Producción New Atlantis – Guatemala/España – 2009)

Esta película cuenta la historia de Maco, traficante de indocumentados en su tránsito de Centroamérica a los Estados Unidos, pasando por México. Sus clientes viajan con identidad y documentación falsa, aparentando ser lugareños mexicanos para no ser detectados. Un trío de guatemaltecos –Yoli, Claudia y Cara de güisa–hacen este viaje con Maco, quien como parte de su trabajo les inventa identidades y papeles para ayudarlos a alcanzar el sueño americano.

K’ixba’l (Vergüenza) (39 minutos – Director: Carlos Y. Flores – Producción Casa Comal – Guatemala – 2010)

En el occidente de Guatemala, tres jóvenes indígenas fueron capturados luego de ser acusados del robo de un “picop”, tras lo cual los vecinos decidieron corregirlos de acuerdo al “derecho maya”. El proceso quedó registrado en un video de la comunidad, lo cual representa una rara oportunidad para ver “desde adentro” y con palabras de los propios actores cómo algunas comunidades mayas están revitalizando sus normas y prácticas de justicia comunal con elementos de su propia cosmovisión. Este documental es parte de una investigación antropológica en colaboración con autoridades indígenas en Santa Cruz del Quiché, Guatemala.

Imágenes: Acción de Regina José Galindo.

Imagen del día: Crisisss. América Latina arte y confrontación 1910-2010

2011-03-15T20:49:00.000-07:00

El sábado abrió sus puertas la exposición Crisisss: América Latina arte y confrontación. 1910-2010 en el Palacio de Bellas Artes y en el ex teresa arte actual de la misma ciudad. La muestra curada por el Cubano Gerardo Mosquera hace un recorrido no ortodoxo por el arte político latinoamericano, desde Posada hasta los artistas contemporáneos más interesantes de la región, todo esto con motivo del aniversario número 100 de la revolución Mexicana. No es una muestra complaciente, quizá de ahí los múltiples tropezones que tuvo antes de poder abrir. Hace un recorrido no cronológico, más bien por áreas de acción, por los conflictos y traumas de nuestra américa. Lamentablemente la organización es mala por lo que no hay website, ni folletos, ni lista de artistas, faltan algunas cedulas y en otras hay errores que no se pueden pasar por alto, pero aun así es una oportunidad, quizá la primera en la región, de ver una panorámica tan completa de pintura, conceptualismos, accionismos, instalaciones y otras estrategias artísticas latinoamericanas con fuerte contenido político.

Algunos de los artistas presentes, según recuerdo, son:

Carlos Leppe

Lotty Rosenfeld

Eugenio Dittborn

CADA

ASCO

Teresa Margolles

SEMEFO

la acción del Siluetazo

el Tucumán Arde

Luis Camnitzer

Gonzalo Díaz

Cildo Meireles

Alfredo Jaar

Ana Mendieta

Oscar Bony

Francis Alys

Narda Alvarado

las Yeguas del Apocalipsis

Nadin Ospina

Santiago Sierra

Juan Downey

Ana Mendieta

Ernesto Salmerón

Gordon Matta-Clark

y varias decenas más.

Para mi gusto hubo quizá un exceso de artistas chilenos (buenos todos eso sí, críticos, feroces, consistentes), y se olvidó un poco la creación artístico política de otros países como es el caso del Perú, que, teniendo tanta producción interesante me pareció subrepresentado, en fin, esto es normal en muestras tan amplias.

Imagen del día: Shooting + Liquify

2010-11-14T11:58:00.000-08:00

Shooting, 2010

Britta Thie es una artista conceptual y modelo alemana. Su carrera dentro del circuito del arte lleva apenas unos 3 años, pero ha desarrollado ya un lenguaje interesante dentro del vídeo arte y la fotografía utilizando, alterando, sometiendo su propio cuerpo y rostro (de una extraña belleza flamenca, como pintado por Jan Van Eyk ). Aquí sus dos vídeos.

Liquify, 2010.

Visto en: VVORK.

imagen del día: Estéticas decoloniales: encuentro teórico.

2010-11-13T14:54:00.000-08:00

De nuevo me llega información de un encuentro valioso para estudiar la producción estético-simbólica de Nuestra América desde una perspectiva otra. En esta ocasión se trata del encuentro "Estéticas decoloniales" organizado por la Universidad Distrital Francisco José de Caldas, de Bogotá, Colombia. En el contexto del evento se presentará la Maestría en Estudios Artísticos, además se inaugurarán tres exposiciones; una en el MAMBO (Mueso de Arte Moderno de BOgotá), otra en la sala de exposiciones de la ASAB, y una más en El parqueadero.

Paso la información:

Hora:
17:00:00
Dia de Inicio:
2010-11-03
Dia de Finalización:
2010-12-10
Lugar:
Encuentro Teórico: Del 10 al 12 de noviembre de 2010 10 de noviembre. 5:00 p.m. Apertura “Estéticas Decoloniales” y presentación pública de la Maestría en Estudios Artísticos. 11 y 12 de noviembre: de 9:00 a.m. a 5:00 p.m. Encuentro teórico Jornada continua. Lugar: Facultad de Artes – ASAB Cra. 13 No. 14-69 AUDITORIO SAMUEL BEDOYA Exposiciones: Sala de Exposiciones – ASAB. Apertura: 11 de noviembre 2010. 5:00 p.m. Hasta el 15 de diciembre de 2010.Horarios: Lunes a Viernes de 10 a.m. a 5 p.m. Espacio de Proyectos “El Parqueadero” Apertura: 11 de noviembre 2010. 5:00 p.m. Hasta el 15 de diciembre de 2010 Horarios: Todos los días de 2 p.m. a 7 p.m (Martes cerrado) Museo de Arte Moderno Apertura: 18 de noviembre Hasta el 15 de diciembre Horarios: Martes a Sábado: 10:00 a.m. a 6:00 p.m. Domingo: 12:00 a.m. a 5:00 p.m. Mayores informes: contactodescoloniales@udistrital.edu.co Facultad de Artes ASAB – Universidad Distrital Francisco Cr 13 # 14 - 69 2828220 ext: 102 – 110
Descripción:
Entre el 10 de noviembre y el 15 de diciembre de 2010, tendrá lugar el Evento Académico “Estéticas Decoloniales”, que sirve de inicio al Proyecto de Doctorado en Artes de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas”, liderado por La Facultad de Artes – ASAB. En el marco de este encuentro se realizará la presentación pública de la Maestría en Estudios Artísticos. “Estéticas Decoloniales”, está conformado por dos módulos: Un Encuentro Teórico que se realizará los días 10, 11 y 12 de noviembre y será una ocasión para pensar en la decolonialidad en relación con las prácticas artísticas y culturales; de igual forma se realizarán tres exposiciones, que estarán dispuestas en: La Sala ASAB, el Espacio de Proyectos “El Parqueadero” y el Museo de Arte Moderno MAMBO.
Invitados:
Con la curaduría de Walter Mignolo (Argentina, USA), Pedro Pablo Gómez (ASAB - UD), y María Elvira Árdila (MAMBO) y con la presencia de artistas y teóricos relevantes como: Marina Grzinic (Eslovenia), Tanja Ostojic (Serbia), Dalida Benfield (USA), Pedro Lasch (México), Alex Schlenker (Ecuador), Ricardo Lambuley con el Grupo Nueva Cultura (Colombia), Miguel Rojas Zotelo (Colombia), Santiago Rueda (Colombia), José Alejando Restrepo (Colombia), entre otros, se planteará un diálogo interdisciplinario en la perspectiva de la decolonialidad de la(s) estética(s).
Dirigido A:
Público en general
Objetivo:
En este evento, diferentes manifestaciones interdisciplinarias derivadas de los estudios culturales, la estética, el cine, las artes visuales y la academia, se tomarán espacios exhibitivos, aulas académicas y auditorios para Sentir, Pensar e Intentar Construir lo propio en medio de un régimen de modernidad/colonialidad.

Imagen del día; Carta íntegra de Santiago Sierra en donde rechaza el Premio Nacional de Artes Plásticas de España (2010)

2010-11-06T08:57:00.000-07:00

Registro de la acción "No. Global Tour" del artista.

Santiago Sierra (hispano-mexicano) fue reconocido con el Premio Nacional de Arte en España. La nominación levantó algunas cejas, incluyendo la mía pues Santiago se ha destacado por ser un artísta ferozmente crítico con su país (y con todo: con la guerra, con el mundo del arte, con américa latina). Recuerdo que fue invitado a la Bienal de Venecia número 50. Su acción consistió en bloquear la entrada al Pabellón Español de la muestra con un muro, en la entrada se instaló un vigilante uniformado que sólo permitía pasar a personas que mostrasen su identificación oficial española (cabe mencionar que la artista peruana Ana María Acha realizó una acción que consistió en burlar la seguridad para acceder al Pabellón).

En una muestra de congruencia, ya poco frecuente en el mundo del arte contemporáneo, el artista decidió rechazar el premio junto con los 30,000 euros que incluía. A continuación dejo la carta que el artista envió al comité organizador.

____

Madrid, Brumaire 2010

Estimada señora González-Sinde,

Agradezco mucho a los profesionales del arte que me recordasen y evaluasen en el modo en que lo han hecho. No obstante, y según mi opinión, los premios se conceden a quien ha realizado un servicio, como por ejemplo a un empleado del mes.

Es mi deseo manifestar en este momento que el arte me ha otorgado una libertad a la que no estoy dispuesto a renunciar. Consecuentemente, mi sentido común me obliga a rechazar este premio. Este premio instrumentaliza en beneficio del estado el prestigio del premiado. Un estado que pide a gritos legitimación ante un desacato sobre el mandato de trabajar por el bien común sin importar qué partido ocupe el puesto. Un estado que participa en guerras dementes alineado con un imperio criminal. Un estado que dona alegremente el dinero común a la banca. Un estado empeñado en el desmontaje del estado de bienestar en beneficio de una minoría internacional y local.

El estado no somos todos. El estado son ustedes y sus amigos. Por lo tanto, no me cuenten entre ellos, pues yo soy un artista serio. No señores, No, Global Tour.

¡Salud y libertad!

Santiago Sierra.
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Imagen del día: WAR (Women Art Revolution), el Film (2010)

2010-10-25T07:57:00.000-07:00

Crítico cartel de las Guerrilla Girls. Colectivo feminista de arte-acción

Toda historia esconde o invisibiliza otra serie de relatos o narraciones alternativos, estas historias monolíticas deberán ser fragmentadas para introducir narraciones subyugadas. Una narración oprimida en la historia del arte es la del arte feminista o reivindicativo femenino, ya va siendo tiempo de descongelar los machistas relatos del arte del siglo XX. Un grupo de cineastas norteamerican@s acaba de terminar el documental WAR (woman art Revolution) que busca contar la historia del arte femenino (feminista, político) de la segunda mitad del siglo XX en Estados Unidos, un arte salvaje, como el de las guerrilla Girls, desafiante, como las instalaciones de Judy Chicago, un arte de lucha. Aquí dejo el corto promocional (arriba) y un fragmento del documental (abajo), en espera a que pronto salga la versión final.

Fragmento sobre Marcia Tucker.

Más: El libro "Arte y feminismo"

Imagen del día: "Simposio Internacional en estética y emancipación: Fantasma, fetiche y fantasmagoría" (2010)

2010-10-09T07:18:00.000-07:00

El MUAC (MUseo de Arte Contemporáneo) junto con el Instituto de Investigaciones de Humanidades de la Universidad de California (UCHRI) y el Museo de Arte Contemporáneo de BArcelona (MACBA) presentan un coloquio quizá sin precedentes en México tanto por la temática como por la importancia de los ponentes, se trata del Simposio Internacional en estética y emancipación: Fantasmas, Fetiche y fantasmagoría" que se llevará a cabo del 28 al 30 de octubre de 2010 en la Ciudad de México.

Entre los ponentes destacan, por ejemplo, el filosofo Enrique Dussel (quien por cierto aun nos debe su "estética", ya escribió su ética y su política), Nestor García Canclini (como referencia insufiiente habría que decir que cimbró al mundo del arte y de las ciencias sociales en 1979 con su libro La producción Simbólica: teoría y método en sociología del arte), Nelly Richard ( crítica de arte chilena, cuya obra comenzó cuando en tiempos de la dictadura pinochetista escribió, debatió e impulsó a la "generación de avanzada", grupo poco homogéneo de artistas críticos), Gayatri Chakravorty (teórica india fundamental para los estudios poscoloniales y subalternos). Además participarán algunos artistas como Luis Camnitzer y Marcelo Expósito.

Acá el programa:

Día 1: jueves 28 de octubre
Contracultura y las revueltas del deseo:
posiciones, desplazamientos y flujos de coincidencia entre estética y emancipación

Contraculturas y revueltas del deseo, emplazamientos, desplazamientos y flujos de coincidencia entre estética y emancipación explorara la producción estética que surge de las prácticas artísticas y de los movimientos sociales durante la segunda parte del siglo XX. En este caso, el objetivo es cuestionar tanto la hegemonia del Estado-Nación como la centralidad del punto de vista occidental, así como de las politicas económicas de Occidente. Asuntos como la activación de la memoria poetica, artistica y contracultural serán encuadrados dentro de una teorización de los momentos de insurgencia estética y politica por venir.
Modera: Cuauhtemoc Medina

10.00- 13.00
Ackbar Abbas
Hamid Dabashi
Nestor Garcia Canclini
Nelly Richard

16.00- 19.00
Brian Holmes
Branden Joseph
Raqs Media Collective - Shuddhabrata Sengupta

19.00- 20.00
Discusión plenaria

Día 2: viernes 29 de octubre
EI espectro de la violencia emancipatoria

EI espectro de la violencia emancipatoria pretende provocar reflexiones sobre el desborde de violencia y emancipación, siendo este un componente necesario y legado por el proceso de descolonización americano, como lo es en general de cualquier movimiento y experiencia de descolonización. A partir de la dialéctica benjaminiana entre violencia divina y violencia mítica, en esta mesa buscamos aproximamos a los bordes de esta violencia, ¿Qué signifca la "violencia fundadora" en emplazamiento de lo poscolonial? ¿Quiénes son los sujetos de enunciación y los sujetos de enunciado de esta violencia? ¿Cómo entender las fracturas entre violencia legítima, ley y fines justos en las periferias? La pregunta por el espectro de la violencia significa elaborar una "crítica de la violencia" en tanto condición de posibilidad de un pasado que se re-articula como potencia politico-estética en el presente.
Modera: José Luis Barrios

10.00- 13.00
Gustavo Buntinx
David Theo Goldberg
Eduardo Subirats

16.00- 19.00
Luis Camnitzer
Sarah Nuttall
Saree Makdisi

19.00- 20.00
Discusión plenaria

Día 3: sábado 30 de octubre
Fantasmagorías de la modernidad: doscientos años de
independencia de los Iímites del discurso

Fantasmagorías de la modernidad, doscientos años de independencia y los Iímites del discurso convocará a los académicos a orientarse hacia la relación entre modernidad y colonialidad. EI eje de nuestra discusión plantea una exploración crítica del concepto de "subaltenidad" para desde ahí cuestionar los Iímites del sistema de representación liberal-burgues. La posición estratégica que buscamos explorar pretende actualizar una distancia crítica que excede el paradigma identitario. Es decir, una lectura que intenta desmitificar la narrativización del proceso colonial en las Americas a contrapelo de nociones tales como, ciudadania, nación, mestizaje e, inclusive, hibridación, para enfatizar el acto colonial de violenta "forclusión" de las civilizaciones Amerindias y la entrada asimétrica y situaconal del indígena y el sujeto postcolonial como subalterno al campo de la hegemonía politica modema. Las Iineas de investigación en este sentido buscan precisar un argumento que despliega que
esta tensión, en su forrnación como proceso histórico es, en sí, una fractura o crisis funcional en los
sistemas de signos al interior de la modemidad que conjura a nuevos vocabularios para el pensamiento
y la acción política.
Modera: Mariana Botey

10.00 - 13.00
Enrique Dussel
Marcelo Expósito
Michael Hanchard
Claudio Lomnitz

14.00 a 16.00
Presentación en México:
143.353 (los ojos no quieren estar siempre cerrados). Un video de Marcelo Expósito
(127 min., 2010)
(Auditorio MUAC)

16.00- 19.00
Gayatri Chakravorty Spivak
Achille Mbembe
Suely Rolnik
Boaventura de Sousa Santos

Más:

http://www.muac.unam.mx/proyectos/campusexpandido/especiales/index.html

imagen del día: El arte y los artistas de AfriCOBRA: Una introducción (2010)

2010-10-06T23:35:00.000-07:00

"Revolutionary" (1972) de Wardsworth Jarrell

AfriCOBRA (African Comun Bad Relevant Artists) es un grupo de artistas afroamericanos formado en 1967 en la ciudad de Chicago. Los artistas partieron de una fundamental reflexión inicial: ¿por qué no existe el arte negro? es decir la historia Universal ha invisibilizado al arte africano y afroamericano, a partir de ahí se plantearon la necesidad de hacer un arte que les fuera propio, con el que ellos y la comunidad se identificaran y que estuviera articulado con las importantes luchas contra la segregación racial de la época. El fundador del grupo fue Jeff Donaldson al que pronto se le unieron Wadsworth Jarrell, Barbara Johnes-Hogu, Jae Jarrell, Napoleon Jones-Henderson, Howard Mallory, Michael D. Harris y Carolyn Lawrence Así surgió AfriCOBRA un grupo que se mueve entre los caminos del arte y del activismo los cuales, en algún momento, suelen cruzarse. Aquí subo algunos fragmentos de un documental sobre ellos estrenado en febrero de 2010, en inglés.

El arte y los artistas de AfriCOBRA, una introducción.

Los temas de AfriCOBRA

El muro del Respeto.

Sobre Jeff Donaldson

Más:

Libro "Africa Remix: contemporary art of a continent", que incluye una sección dedicada al grupo.

Imagen del día "Esto no es América" (1987) + Arte al Dia México.

2010-07-24T14:33:00.000-07:00

Los Imperios suelen apropiarse de conceptos, colonizan el espacio a través de ideas ampliamente difundidas bajo un falso mote de neutralidad. Por ejemplo Europa se arrogó el mote de "Viejo continente", así se habla de la vieja Europa, pero en realidad no existe algo así como continentes nuevos o viejos. América les resultó nuevo a los Europeos cuando se toparon por accidente con ella, decir que este es el nuevo mundo y aquél el viejo es en realidad colonizar el tiempo y el espacio. Asignar una temporalidad y espacialidad ("periferia", "lejano oriente", etcétera) desde la percepción única de Europa es negar las conceptualizaciones y valoraciones de los habitantes de esas zonas "lejanas" o "nuevas".

Concentrémonos en el concepto de "América", nombre inspirado en el navegante italiano Américo Vespucio, que hacía referencia a todas las tierras antes conocidas erróneamente como las Indias Occidentales. En 1823 Estados Unidos anunció la Doctrina Monroe , como advertencia a las potencias Europeas de que el país no aceptaría la intervención de éstas en tierras americanas: "América para los Americanos". Conforme EUA se convertía en una nueva potencia la frase cobró un nuevo significado: El país del norte buscaba (busca) administrar al continente entero, tenerlo bajo su tutela, o más bien dicho, bajo su dominio. Prácticamente todo el continente ha sufrido del intervencionismo Norteamericano durante el siglo XX ( y lo que va del XXI), la agresión no es sólo física, sino también simbólica, EUA se ha apropiado gradualmente del concepto de "América", para el grueso de la población estadounidense "América" es Estados Unidos, a pesar de que, como cantan Los tigres del norte, " si a los siglos nos vamos, somos más americanos que el hijo de anglosajón..."

Alfredo Jaar es un artista chileno que comenzó su producción plástica en el marco de la Escena de Avanzada chilena, en 1982 se fue a vivir a Nueva York (de este momento es una de sus piezas claves: Antes de partir), interesado siempre por el arte político y crítico montó en pleno Time Square de Nueva York un gran letrero luminoso y animado (ver el vídeo, arriba) en el que ataca, justo en el corazón de EUA, la idea colonizadora de que Estados Unidos de América es "América", la instalación se llamó simplemente "Esto no es América". Así Jaar, un sudamericano en el norte, reactiva la memoria y la lucha contra la arrogancia del Imperio: es necesario sí recuperar los territorios físicos, pero también los simbólicos.

Más: La revista Arte al día, edición mexicana, es quizá la guía más completa de exposiciones, ferias y otras muestras de arte que hay en México, además incluye reseñas, entrevistas y críticas de muy diversa calidad e interés. Vale la pena. Acá su edición de Julio-Agosto de 2010 en PDF, por cortesía de ellos mismos.

Aquí su facebook.

Imagen del día "Big Bang, Big Bum " de Blu (2010)

2010-07-24T09:45:00.000-07:00

Blu es sin duda el artista callejero italiano más interesante actualmente. Primero rompió con el aerosol para trabajar con rodillos y brocha, sin temor a sonar "viejo" o "reciclado". Creó un estilo propio, naif, inconfundible y muy europeo. Desde hace un par de años comenzó a investigar las posibilidades de la animación stop motion fusionada con el street art. Aquí presentamos "Big Bang, Big Bum" (Julio-2010), su tercera animación en la que, en lo formal, explora nuevas posibilidades en animación urbana, arriesgándose a animar objetos tridimensionales que interactúan con sus clásicos dibujos bidimensionales, armando así un nuevo universo animado multidimensional profundamente urbano. La temática de la animación es el origen de la vida, como ésta ha evolucionado y como, probablemente, acabará, al menos en nuestro planeta. Es una visión "no científica", más bien es una pesadilla urbana y tecnológica con final trágico. Blu lo ha vuelto a hacer.

Visto en:
Wooster Collective.
Más.
Animación "combo" en este blog.

Imagen del día: La opera ambulante en la central de autobuses de Tijuana, México.

2010-07-06T22:23:00.000-07:00

Tijuana es una ciudad fronteriza que se ha ganado la fama de peligrosa, insegura y viciosa...y es cierto, esto se ha acentuado recientemente debido a los constantes enfrentamientos entre diversos Carteles del narcotráfico. Es una ciudad violenta que se vacía por las noches, una ciudad a la que los gringos ya no llegan en parvadas en busca de diversión barata, una ciudad desangrada. Hace un año y medio estuve por allá, sólo un par de horas, vi dos policías muertos, recién baleados tirados en la carretera, el conductor del taxi, exguerrillero cercano a la liga comunista 23 de septiembre, nos hizo una radiografía del conflicto en la ciudad: todos saben que las autoridades están coludidas, prácticamente todas las policías son pagadas por un cartel, la ciudadanía está desprotegida. Mientras el taxista nos describía los horrores cotidianos, yo miraba por la ventana las decenas de cruces que colgaban del muro que divide México y Estados unidos: cada cruz representa a un migrante muerto en su intento por cruzar la frontera, y la fila parece interminable. Pero a pesar del horror Tijuana está viva y mantiene ese aire escaso y complejo que sólo se respira en las ciudades fronterizas del norte de México. La cultura está activa, incluso en los estigmatizados espacios públicos. Hay un proyecto especialmente interesante: La ópera ambulante, un grupo de tenores y sopranos quienes, con el apoyo del Centro Cultural Tijuana, hacen presentaciones en espacios públicos no convencionales y sin previo aviso para el público. Disfrazados de empleados o transeúntes comunes los artistas han irrumpido ya en lugares tan inesperados como una rueda de prensa en pleno Palacio Municipal. En esta ocasión se presentaron en la Central de Autobuses de Tijuana, ataviados como empleados de la misma, sorprendiendo a los usuarios con su interpretación de fragmentos de la Traviata compuesta por Giussepe Verdi e inspirada en un texto de Alejandro Dumas. Los especialistas podrán criticar que al cantar sólo fragmentos y al no estar caracterizados como los personajes se pierde por completo la intención narrativa , por lo que la presentación se reduce al virtuosismo de los músicos, el cual además es ensombrecido por los ruidos de la cotidianidad de una estación de autobuses. Tienen razón, es cierto, pero no importa. Las desavenencias románticas de Violeta que la llevan al libertinaje y al sacrificio (¿esto cuenta como spoiler?) no resultan tan relevantes como el hecho mismo de irrumpir en la vida diaria para sacar a la gente de la rutina a través de una experiencia estética inesperada. No se necesita ser un docto para tener experiencias estéticas, no se requiere entender, es una cuestión de sentidos, es un regalo, "un gorrión que se posa y se va" (como diría la Murga Uruguaya Falta y Resto). Tras cantar, estos generosos artistas, siguen su camino, todo se desvanece, pero por unos instantes las presiones, los tiros, las granadas, el desierto seco, la migra, todos los monstruos de la frontera fueron arrinconados por el poder del arte. ¡Salud!

Más

Centro Cultural Tijuana.

Narcotijuana. noticias actualizadas, siempre.

Imagen del día: "Extra Ear" + "The body is obsolete" de Stelarc.

2010-06-06T11:31:00.000-07:00

Stelarc presentando Extra Ear.

Stelarc, es un artista de origen griego-Australiano. En sus inicios estuvo ligado al body art. Sus primeras acciones buscaban llevar al cuerpo al limite de su resistencia colgándolo o limitándolo. Ya desde los años ochenta comenzó a a investigar la relación entre cuerpo y tecnología: creó robots que extendían o condicionaban su cuerpo. Su objetivo es construir un cuerpo posthumano, ser el primer cyborg, rebelarse contra la lentitud de la evolución y contra el diseño inteligente de Dios. Ha construido robots araña sobre los que se monta, brazos extras controlados por computadora, altercuerpos digitales. Para él el cuerpo es débil y no se corresponde con la información que el cerebro, ayudado por la teconología, ha acumulado en el siglo XXI, el cuerpo debería de ser modificado en beneficio de una nueva especie de seres vivientes que superen su carnalidad perecedera y limitada. Su acción más sonada en los últimos años es Extra Ear, la cual consistió en injertarse, con ayuda de expertos, un cartílago que fue tomando forma de oreja en el brazo, a la cual se le insertará un micrófono que vía Bluetooth se conectará a internet, y, supuestamente, también será capaz de percibir sonidos. Sus esfuerzos por crear una "nueva arquitectura corporal" parecen comenzar a rendir sus frutos más extremos, quizá sus transformaciones son sólo comparables, en lo artístico, con las de Santa Orlan, otra artista corporal que ha transformado dramáticamente su rostro y su personalidad gracias a múltiples intervenciones quirúrgicas y psicológicas retransmitidas a nivel global vía internet.

Desde una perspectiva social es inevitable cuestionar el indivudalismo extremo de las acciones de stelarc, además de la profunda dualidad con la que interpreta la relación cuerpo-mente, herdada del pensamiento judeocristiano que dividía al espíritu y el cuerpo. Es también evidente la idea occidental y teleológica que tiene de la historia de la humanidad: como si fuese un constante progreso con fe en la tecnología, gran mito dador de sentido en un mundo sin dios, pero la evolución no es tal, pues ética o moralmente el ser humano no ha evolucionado, nuestras guerras, nuestras armas, nuestros empresarios, son mas salvajes y destructores que los de hace 500 años. Sólo basta contar los muertos (y hacer una proporción con la cantidad de habiantes que tenía la tierra en diferentes épocas).

Por lo pronto les dejo el siguiente mini documental titulado "the body is obsolet" producido por Contemporary Arts Media, interesante porque recorre rápidamente gran parte de la producción de este imprescindible artista de la era robotica y digital.

Más. Libro "Arte, cuerpo y tecnología" coordinado por Domingo Hernández, Sánchez.

Imagen del día: Autosabotaje.

2010-05-18T15:51:00.000-07:00

Vamos a hablar de cosas serias. Cuando queremos hablar de cosas serias en el mundo del arte contemporáneo Europa no es un buen referente, pocos artistas escapan del nihilismo forzado y de la babosada neopop y efectista. Latinoamerica habla más seriamente, quizá porque sus venas siguen abiertas.

Tania Bruguera es una artista de acción Cubana, quizá la más importante de su generación. En su acción en Colombía repartió cocaína entre el público mientras entrevistaba a una exguerrillera, a una desplazada (actualmente desaparecida) y a un líder de los desplazados (la idea era entrevistar también a un paramilitar pero éste al final no se presentó), en otras acciones ha comido carne cruda de animales, en la galería Tate de Londres contrató a dos Policias de la montada para controlar los movimientos de los espectadores.

Pero la acción que me interesa aquí fue la que presentó en la Bienal de Venecia de 2009. Su presentación se llamó autosabotaje, y consistió en la lectura de un texto sobre el arte. Junto a ella, sobre el escritorio tenía un revolver cargado con una sola bala . Entre párrafo y párrafo la artista apuntaba el revolver a su sien y jalaba el gatillo; lo jaló una vez y nada pasó, dos veces y de nuevo nada, al tercero el curador del acto quiso detenerla pero no lo logró, ella repetía "it´s fine". Tras jalar por tercera vez el gatillo, apuntó el arma hacia el cielo y disparó: ahí estaba la bala, era real.

Entre el público estaba el artista Hans Haacke (para mí, uno de los artistas más interesantes de los últimos 40 años, ese que en Austria reconstruyó un obelisco nazi para provocar a los ciudadanos), quien escandalizado al terminar la acción le preguntaba si se había vuelto loca. A las preguntas ella responde " vamos a tomar esto en serio, vamos a tomar el arte en serio (...) una bala de verdad porque hago arte político en serio y quiero que se vean las consecuencias".

Por cierto el texto que leyó durante la acción decía "si tú eres un artista de verdad político, no te debe interesar complacer al público".

El video:

Una entrevista sobre el tema.

Imagen del día "abrir y cerrar una herida" de ESCIF.

2010-04-27T14:00:00.000-07:00

retrato de ESCIF.

El Street Art ha devenido, desde hace ya varios años, en una rentable forma de publicidad. Muchos son los artistas urbanos (desde watchavato hasta WK) que han pasado de la marginalidad de las calles a hacer publicidad urbana. El problema no es vender la obra, sino hacer obra para vender, pues al crear para marcas comerciales o con el objetivo de llamar su atención, el contenido temático de la obra suele empobrecerse. Así el street Art se ha convertido en un chiste, una ocurrencia vacía de sentido.

El agotamiento puede ser acelerado. Los artistas urbanos de los setentas y ochentas buscaban hacer arte crítico, arriesgado (pensemos en las decenas de colectivos de arte: de CADA a Asco, pasando por Gutai y el techo de la Ballena), ahora los neograffiteros sucumben a la tentación meramente iconográfica o al chiste simple que, maquillado, se convierte fácilmente en publicidad urbana. En este imperio de la imagen y del icono que se desborda en las calles de las grandes ciudades la diferencia entre street art y publicidad se diluye, los estereotipos se repiten (mujeres sensuales, hombres poderosos, caricaturas deformadas) a uno y otro lado. La propuesta estética del street art se agota al tiempo que se vende, pero, peor aun: su contenido se frivoliza.

Es en este contexto que artistas como ESCIF nos resultan refrescantes. Su obra va desde la ilustración Naif hasta obras conceptuales que lo acercan al arte procesual y al body art. Actualmente ESCIF se está desligando de la mera ilustración sobre la pared al acercarse a temas como el tiempo, el movimiento, el cuerpo y el espacio. La acción que aquí presentamos (abrir y cerrar una herida) es muestra de como la obra de este artista se separa de la mera iconografía para crear acciones de mayor contenido conceptual y emocional. Después de todo para él, según esta entrevista, "concepto y forma son inseparables e interactúan constantemente".

Lo que viene:

Ya tengo las fotos de Zona Maco, pronto estarán arriba.

Continuará la serie de santos del cristianismo.

Imagen del día: ZONA maco 2010

2010-04-14T20:16:00.000-07:00

Hoy 14 de abril de 2010 se inaugura la feria de arte contemporáneo ZONA maco en la Ciudad de México. Este año la inestable feria contará con más de noventa galerías de todo el globo. Estará dividida en tres secciones: Nuevas propuestas, Sección Principal y, quizá la más interesante, ZONA MACO SUR, dedicada a galerías del hemisferio Sur que presentarán, cada una, a un artista. Esta edición cuenta además con otra particularidad: tendrá dos sedes, la primera aquí en ciudad de México y la segunda del 2 al 5 de Septiembre en Monterrey.

Seguramente me daré una vuelta por la feria y espero traerles más material pronto.

Obra de Joaquin Segura, a quien seguramente veremos en la galería Arena México Arte Contemporáneo.

Acá el programa de actividades.

Imagen del día: Semana Santa 2010.

2010-03-30T08:59:00.000-07:00

The interpretation of dreams (the other Christ) de Andres Serrano.

Interrumpimos la serie de extraños santos del cristianismo para presentar una entrada especial sobre semana santa. Como sabrán aquí nos interesa mucho el arte religioso ( y el ateo o agnóstico que se burla, ironiza o se confronta con el primero también), desgraciadamente estoy absolutamente esclavizado académicamente estos días, así que me limitaré en esta ocasión a poner los links de la serie que hice el año pasado sobre la Semana Santa.

Ver especial sobre Semana Santa en Accidentes Perfectos.

El cristianismo ( o más correctamente, los cristianismos: desde los gnósticos hasta los evangélicos) es una creencia bastante complicada y que encierra en sí lo mejor y lo peor del ser humano: mientras Nietzsche dice que el cristianismo es un culto a la muerte, Dussel afirma que son lecciones para hacer la revolución, para negar el Estado y reafirmar el poder popular. Ambos tienen razón. Todo es cuestión de hermenéutica bíblica (claro, estoy exagerando, lo que quiero decir es que un texto nunca es el mismo, se reinventa ante nuestros ojos). En fin, creo que habría que tener cuidado al hacer generalizaciones burdas sobre las religiones, me dan mucha risa esos posmodernos que dicen que vivimos en un mundo sin dios, que el pensamiento mítico ha sido superado. Lamento informarles que vivimos rodeados de mitos: el progreso es un mito, el arte es un mito, la perfección física es un mito: son deidades secularizadas, por otro lado, como ya advirtió incluso Habermas, tan alemán, tan racional, vivimos un reenreligiosamiento del mundo: las religiones están recuperando el terreno perdido: ahí está la religión-empresa de la Luz del mundo de origen brasileño y la religiosidad popular con miles de adoradores de la Santa Muerte, Jesús Malverde, en México o la Corte Malandra o Cale en Colombia y otros países latinoamericanos. En Estados Unidos la gente jura sobre la biblia cristiana en Juicios oficiales, y en sus monedas se lee "In god we trust", en medio oriente muchos países se rigen por regímenes teocráticos (que están basados en la religión musulmana). Y Europa por supuesto no se queda atrás: en España, Bélgica, Dinamarca, Luxemburgo, Mónaco, Liechtenstein, Noruega, Países Bajos, Reino Unido y Suecia aun hay Reyes y reinas mantenidos por el pueblo y cuyo poder radica en que fueron elegidos por Dios. Incluso en países como España los Jefes de gobierno y otros altos funcionarios juran ante el Rey y un crucifijo su lealtad al reino, tras lo cual el representante del reino responde: "si así lo hiciereis que Dios os lo premie o si no os lo demande". Por otro lado en varios países de Europa está prohibido construir mezquitas (¿existe alguna justificación no teológica para hacer esto?), pero vamos más allá, Israel arrincona y oprime al pueblo palestino: es un conflicto religioso, Estados Unidos y sus secuaces invaden medio oriente y destruyen Irak, los musulmanes responden con terrorismo: es un conflicto religioso, son las nuevas cruzadas que tienen, claro, como gran motor cuestiones económicas y geo-estratégicas pero también en el fondo están las diferencias religiosas.

Entonces el pensamiento religioso está más presente de lo que podría parecer en un primer momento, es por eso que habría que pensarlo y analizarlo más detenidamente: ¿matar a todos los dioses es lo correcto? ¿eso incluye a la religiosidad popular de los pueblos indígenas de américa latina y a las creencias milenarias de numerosos pueblos tribales africanos?, bueno el conflicto por cuestiones de fe ha llegado incluso a este blog, hace algunas semanas un enfurecido lector me envió un correo electrónico que aquí transcribo textualmente:

"blasfemio (sic) ,sacrilego quita inmediatamente esas horrendas pinturas ofensivas a la santa fe, malditos sean aquellos que la hicieron y voz (sic) por publicarlas y celebrarlas, Dios es misericordioso y te perdona, pero para ello debes retratarte a este pecado, con mucha penitencia"

El objetivo de este blog no es ofender religiones (bueno a veces sí: el catolicismo es la negación de Jesús: al menos su élite), pero Yo, y sólo Yo decido que pongo aquí y me hago responsable de lo que publico y de mis opiniones así que, desgraciadamente para el usuario ghost11983, no me voy a retractar, más bien al contrario, le dejo esta bella imagen, sonría amigo:

¿Varón de dolores...?, varón de amores, de JAM montoya.

....la siguiente imagen plantea una interesante pregunta ¿quién mata hoy, a Jesús?

El Cristo de la Muerte. Andres García Ibañez.

Por último les dejo algunas recomendaciones bibliográficas para esta Semana Santa:

Pa´los jóvenes ateos: ¿sería católico Jesucristo?. de Rius.
Pa´ ateos críticos que buscan algo más consistente: La puta de Babilonia. de Fernando Vallejo.
Pa´ filósofos antirreligiosos: El anticristo de Friedrich Nietzsche.
Pa´poetas que escriben para asustar a sus tías: Para acabar con el juicio de Dios. de Antonin Artaud
Pa´creyentes revolucionarios: Las metáforas teológicas de Marx. de Enrique Dussel.
Más pa´creyentes revolucionarios: Desde el lugar de los pobres. de Leonardo Boff.
Pa´los clásicos: La Biblia, Versión Reina Valera (la mejor versión en español creo yo).

Todas estas recomendaciones han pasado por mis manos y por mis ojos y valen la pena. Una última recomendación: l@s ate@s lean lo que recomiendo a l@s creyentes, a l@s creyentes lean lo que recomiendo a l@s ate@s.

Imagen del día: Santos Cefalóforos.

2010-03-07T19:20:00.000-08:00

Continuamos en este blog con la serie sobre extraños santos del cristianismo (segunda de cuatro entregas).

Escalera al Cielo, controversial pieza de Eugenio Merino exhibida en la reciente feria ARCO 2010. La embajada de Israel envió una carta donde exigían retirar la pieza. Como respuesta el autor tuvo que pedir una disculpa pública en su sitio de internet: Ejmplo de que en pleno siglo XXI se vuelve a poner en el centro de debate la relación arte-fe.

Primero quiero posicionarme sobre la relación arte y fe: desde mi perspectiva, y por lo qué he visto y leído, puedo afirmar que el arte siempre ha sido una cuestión de fe, mas aun, una cuestión religiosa (un sistema de creencias y prácticas acerca de algo divino, superior), desde sus origenes y en distintas culturas la creación simbólica y estética ha estado siempre ligada a la religión o a la deidad (desde el arte maya de Bonampak hasta las tumbas egipcias -un arte hecho no para el humano sino para el inframundo- , pasando por el arte hindú y el arte cristiano). Con el paso del tiempo el arte en occidente se desligó del cristianismo, pero nunca de la fe. ¿Qué no lo que hicieron Hegel, Schiller y Schilling no fue sólo depositar la fe del arte en otro lugar pero no desaparecerla?. Incluso Nietzsche y Schopenhauer (y más adalente Heidegger y muchos otros) al hablar de arte como verdad (o incluso como algo "más verdadero que la verdad") le estaban asignando un caracter sobrenatural, misterioso (como los misterios de la biblía: incomprensibles a veces como la santísima trinidad), sacro en un mundo sin dios. Ingres, el pintor neorromántico, escribió alguna vez "tened como religión a vuestro arte (...) el arte no sólo es una profesión, es también un apostolado (...) Mis gustos forman parte de una religión".

El arte contemporáneo no es para nada una excepción: hay que entenderlo sí, pero hay que tener fe en él también para aceptarlo y, como en cualquier religión, tiene ritos e instituciones (inauguraciones, ferias, bienales), y también elementos de sacralización (el cubo blanco de la galería, la incersion al circuito comercial, y otros procesos de validación subjetivos). En esto concuerdo con los stuckistas y hartistas: el arte objetual, procesual y conceptual en general, son una cuestión de fe. Ellos se declaran ateos del arte contemporáneo. Con lo que no estoy de acuerdo es que los stuckistas y hartistas, y aquí demuestran lo limitado de su análisis, se asumen como partidarios del arte-Arte, del verdadero arte (como si hubiera algo así como verdadero arte), sin darse cuenta de que lo suyo también es un acto de fe basado en premisas histórica y socialmente delimitadas: tienen a la obra terminada, ala belleza (amigos ¿qué es belleza?) y al talento individual del artista como elementos principales para validar algo como arte (¿qué dirían los antiguos artistas chinos, quienes buscaban imitar a sus predecesores porque en cada linea, en cada trazo identico estaba su rica herencia cultural -abolían al genio del artista-? ¿qué dirían los talladores aztecas que no veían en la cuestión estética el eje central de sus creaciones pues se preocupaban más del mensaje religioso, político y militar? ¿o los monjes tibetanos que tras crear hermosos y complicados mandalas de arena los destruyen -lo importante ahí es el proceso no la obra final-?).

No existe eso llamado "Historia universal del arte", eso es un discurso, una narrativa, una ficción. Lo que hay en realidad son múltiples historias del arte, o de las artes ( o mejor dicho, de la producción simbólica que desde occidente hemos conceptualizado como arte, nombre genérico con el que traducimos numerosas formas de expresión), entonces todo intento de definir al arte desde preceptos como belleza, talento, verdad, composición, técnica, será siempre insuficiente, limitado, cuadrado. El arte se da, lo importante es saber qué factores son los que lo propician; por qué se da el arte, y cómo se da.

Partiendo de estos pocos elementos (para mi centrales para evitar sectarismos y generalizaciones arbitrarias) es posible acercarse al arte de una manera menos sesgada (aunque nunca dejaremos de tener estos ojos occidentales, ni este lenguaje derivado del latín con toda su carga cultural). Ahora sí, hablemos de la siguiente serie de santos: los amputados. En el cristianismo la carne y la sangre son partes centrales (en la última cena, que se repite en cada misa, Jesús les entrega su carne y su sangre a los discípulos, en la cruz su sufrimiento es carnal, necesario para alcanzar la plenitud espiritual), no son pocos los santos que, tras sufrir graves amputaciones, se volvieron emblemas de la fe, aquí presentamos al grupo conocido como los Cefalóforos, aquellos santos representados sin cabeza como muestra de su santidad.

Comenzaremos con San Dionisio de París (al lado), fue el primer obispo de París. Sus intentos de evangelización terminaron en el año 272 cuando fue decapitado durante la persecución de Aureliano. Según la creencia popular (apoyada por textos antiguos) tras ser decapitado Dionisio se levantó con su cabeza entre las manos y atravesó Montmartre, hasta que finalmente le dio su cabeza a una noble joven, tras lo cual se desplomó, ahí se erigió la basílica en su honor. A este santo se le representó varias veces con su cabeza en la mano (como la que mostramos aquí), sin embargo, quizá para suavizar la imagen, se le solía representar con dos cabezas: una normal, sobre el cuello y la otra en las manos. Siglos después la Iglesia desconoció la historia afirmando que tras ser decapitado murió instantáneamente, sin embargo, en la religiosidad popular sigue siendo el santo que caminó sin cabeza. Pero no fue el único santo que lo hizo, con ustedes San Lamberto (abajo), un mártir originario de Zaragoza, España que durante la dominación musulmana fue decapitado tras lo cual también cogió su cabeza y caminó, siguiendo a sus bueyes, hasta caer muerto junto a los demás mártires de Zaragoza. Su cuerpo sin cabeza aun yace en el templo levantado en su nombre.

San Lamberto, en la Iglesia de Santa Engracia. Zaragoza España.

Santos cristianos Cefalóforos (en griego: los portadores de cabezas) hay algunos más, como San Vitores, Santa Quiteria (abajo) o el grupo compuesto por San Félix, Santa Regúla y san Exúperancio, mártires españoles decapitados y arrojados a un barranco (al final de la entrada, junto a Jesús) . Las decapitaciones eran comunes durante los primeros siglos del cristianismo, pues la pena capital en la antigua Roma era esa: cortarles la cabeza con un hacha, aunque también existían otros métodos: a algunos, como a la pobre Santa Perpetua, los decapitaban a espadazos, un proceso tardado, doloroso y seguramente muy sanguinoliento, pero ha habido, a lo largo de la historia peores formas de morir para los martires: A san Flaviano le vertieron plomo derretido por los ojos, a San Ciriano, Largo y Esmaragdo les derritieron las cabezas echando sobre ellas plomo al rojo vivo, a otros los crucificaban, los quemaban, los desmembraron o fueron devorados por los leones, en fin la historia de los santos del catolicismo es una muestra amplia y oscura de la imaginación que tiene el ser humano para hacer sufrir a sus semejantes (y parece que los católicos aprendieron muy bien pues luego se les ocurrió la genial idea de la santa inquisición).

Santa Quiteria.

Por último habría que mencionar que, como advierten en el blog de Preguntas al Santoral, los santos sostenedores de cabeza son pocos, prácticamente ninguno de los santos decapitados aparece sosteniendo su cabeza en las imágenes, sólo aquellos que tras ser decapitados hicieron algo sorprendente como caminar o sostener con las manos su testa desprendida.

San Félix, Santa Regúla y san Exúperancio frente a Jesús.

Más:

Sobre ARCO y la controversia arte-fe. Ensayo en Réplica21.

Sobre santoral.

Imagen del día: Santa Margarita de Antioquia, San Jorge, Santa Marta y los dragones.

2010-02-01T20:12:00.000-08:00

Sta. Margarita de Antioquía saliendo de la panza del dragón, ilustración de 1440 (países Bajos).

Hoy comienza en este blog la serie de Extraños Santos del Catolicismo. Comenzaremos hablando de los Santos, reconocidos por el Vaticano, que tuvieron terribles encuentros con Dragones. Según se creía en la edad media europea, los bosques, océanos y montañas estaban plagados por feroces lagartos, algunos alados, con un aguijón en la punta de la cola, otros con cara de león y orejas de caballo, o todo junto. Claro, en el mundo dualista creado por la tradición judeo-cristiana, la naturaleza era el dominio de lo demoníaco, pues era pura terrenidad, sin espíritu, por eso ahí se escondían auténticas encarnaciones del maligno, entre ellos los dragones.

Empecemos con Santa Margarita de Antioquía ( arriba y al lado) , no se sabe muy bien cuando vivió, pero se calcula que fue a finales de los años 200 o principios de los 300 (ajá...), nacida en la actual Turquía, fue hija de un noble pagano pero gracias a las enseñanzas de su nana se volvió cristiana, bautizandose a los 13 años de edad. A partir de ahí dedicó su vida a profesar su fe. Al parecer era muy guapa pues un gobernador romano le propuso matrimonio, pero ella lo rechazó por lo que él se la encargó a una mujer noble para hacerla renegar de su fé cristiana, incluso fue torturada y encerrada. Ahí tras días de encierro, a pesar de sus rezos y plegarías, se le apareció "el maligno" en forma de dragón y pues se la comió. Margarita, ya en la panza de la bestia, recordó que llevaba consigo un crucifijo y con él abrió la panza del dragón y logró escapar de él, su alegría no duró mucho pues pronto el gobernador ordenó que se les cortara la cabeza a todos los católicos de la zona... y de esta ya no se salvó. Así fue la historia de santa Margarita de Antioquía.

(al lado:Santa Margarita y el dragón (francia 1490-1500)

Hablemos ahora de Marta de Betania, ella aparece en la biblia un par de veces, es la hermana de la famosa y siempre confundida María de Betania, como sabemos ellas, junto con su hermano Lázaro, dieron asilo, al parecer en más de una ocasión, a Jesús. Ella, al contrario de su hermana, fue representada por Lucas y Juan en la Biblia, como una humilde mujer silenciosa pero fiel al profeta. Claro, en el nuevo testamento no aparecen dragones, pero su fama se debe a un mito popular francés: se cuenta que los habitantes de un pequeño poblado cercano a Aviñon vivían aterrorizados pues cerca de ahí vivía una Tarasca ( un monstruo mítico que, bueno, en general es un dragón) que hacía de las suyas, ya saben destruyendo cosechas, robando ganado...el perfecto chivo expiatorio (sí, como ahora los negros, los musulmanes o los latinos). El gobernador de la zona intentó por todos los medios acabar con ella pero no lo logró, todo parecía perdido hasta que de pronto llegó Santa Marta (no sé como llegó desde Betania -actual Israel- a Francia pero vale) a la caza del monstruo, al llegar frente a él Marta le arrojó agua bendita y, mostrando su crucifijo, elevó una plegaria, pronto la bestia cayó, como hipnotizada ante ella. Marta llevó a la ahora mansa tarasca al pueblo, en donde los pobladores la mataron a palazos y pedradas, sin que el monstruo se defendiera. Esta fue la historia de Santa Marta y la tarasca. (Arriba, santa Marta guiando a la tarasca domada).

Ahora contaremos la historia del gran asesino de dragones del catolicismo: San Jorge. Cuenta la leyenda que fue un militar nacido en Capadocia, que tras aceptar publicamente que era cristiano fue torturado y decapitado por los romanos, el mito se conservó así hasta más o menos el siglo IX, cuando la historia dio un giro drástico, pues se le añadió un episodio que durante siglos fue considerado como real: se cuenta que en un pequeño pueblo había un dragón que decidió hacer su nido encima de la fuente que proveía de agua a la comunidad, dejándola seca. Para distraer al dragón los habitantes tenían que ofrecer en sacrificio a un poblador al azar diariamente, un día le tocó servir de comida a la hija del rey, una joven doncella. Justo cuando el dragón (que en la mayoría de las ilustraciones medievales parece más una serpiente con alas) se la iba a comer apareció Jorge montado en un caballo blanco y asesinó al dragón salvando así a la doncella en apuros, los aldeanos, conmosionados y alegres dejan atrás su paganismo y para volverse cristianos como su salvador Jorge. La historia de San Jorge es probablemente una mezcla de mitos provenientes de distintas culturas, pero su figura heroica en corcel blanco es el origen de muchos cuentos de hadas, princesas y príncipes surgidos en el medievo. Así concluye pues la historia del militar de capadocia cazador de dragones. Aun hoy popular santo oficial de la iglesia católica. (al lado: San Jorge y San Nicolás de Myra-Flandes 1420-1440-)

detalle del Gran retablo de San Jorge, de Andrés Marzal de Sax, 1400.

Más. Ensayo: Antropología visual de la simbología del cautiverio femenino.

Lo que viene: especial de San Cristobal, Lucía de Siracusa, Santa Bernardita de Lourdes, el sagrado prepucio y más.

Imagen del día: Entrevista a Leon Ferrari.

2010-01-30T11:15:00.000-08:00

El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid, España presenta, desde octubre del año pasado y hasta marzo de este año, "Alfabeto enfurecido", una amplia retrospectiva de dos importantes artistas latinoamericanos que coincidieron en Brasil: el provocador argentino León Ferrari y la suiza brasileñizada Mira Schendel. A proposito de esta exposición, que ya se exhibió en el MoMA de Nueva York y se trasladará a Brasil en abril, les presento esta interesante entrevista a León Ferrari, en la que habla de temas como el arte por el arte, el arte crítico, la provocación, el catolicismo, la censura, la intolerancia y la violencia.

Más, texto sobre la expo en Kaosenlared.net.

Lo que viene: Serie de extraños santos del catolicismo.

Imagen del día: Pastelería de diseñador.

2010-01-28T20:43:00.000-08:00

"Papillote de pepinillo en flor con almendra tierna" Platillo de Ferran Adriá

La comida hace mucho tiempo que dejó de ser sólo un proveedor de la energía necesaria para mantener funcionando al cuerpo, sino que ha devenido en un mundo complejo de experimentaciones sensoriales. Los chefs y "autores" de platillos se preocupan más por crear conceptos complejos en sus platillos, no se centran sólo en armar una presentación pulcra y crear sabores agradables, sino que se involucran en un proceso más multisensorial (el olor, la textura, el contraste, la vista, el gusto) y conceptual (la experimentación con procesos químicos y herramientas tecnológicas son parte de un discurso contemporáneo en la alta cocina).

Muelle de aceite de oliva virgen servido en una caja de joyeria. Platillo de Ferran Adriá.

En los últimos años se han gestado nuevas tendencias en la cocina que han alcanzado un gran éxito, como la cocina tecnoemocional de Ferran Adriá creador de las espumas concentradas, lo helado salado, la nueva caramelización y otros complejos platillos y procesos(su restaurante El Bulli, se convirtió en el Pabellón G de la Documenta XII de Kassel, evento que reúne lo mejor del arte contemporáneo), surgió también la cocina molecular creada por el físico Nicholas Kurti y el químico Hervé This y actualizada por chefs como Homaro Cantú quien utiliza impresoras Epson para imprimir papel comestible, además de Hidrógeno Líquido para enfriar y frutas inyectadas con Dióxido de carbono para volverlas efervescentes. Otros chefs como los creadores del restaurant The Fat Duck han creado, siguiendo los principios de la gastronomía molecular, platillos inverosimiles como el helado de tocino y huevo o la sardina sobre sorbete de tostada.

Pastel de Desingcakes.

En el mundo de la pastelería y repostería se ha hecho común ya el término de Repostería de autor o de diseñador. En este caso hablaremos brevemente de dos exponentes de repostería de diseñador, (o como la llama una de las creadoras: pastelería de alta costura) el grupo Design Cakes (EUA) y Patricia Arribálzaga, creadora de Cakes Haute Couture (España). Estos artistas de la repostería, más conservadores quizá que los ejemplos de gastronomía molecular y otras vanguardias culinarias, crean piezas artesanales únicas en las que se conjuga la sensualidad de las suaves lineas del pastel con sabores creados específicamente para cada evento (como el sabor de Champan rosado y arandanos creado por Cakes Haute Couture para el pastel del 50 aniversario de la muñeca Barbie).

Pastel de Cakes Haute Couture

Las creaciones de estas expertas pasteleras (o expertos, yo qué sé) sobrepasan la estructura y el sabor tradicional del pastel creando piezas que en ocasiones hacen referencia a tendencias artísticas, mientras que en otras son claros tributos a la moda femenina desde el siglo XVIII al XX. Sus pasteles han sido comentados no sólo en revistas de repostería, sino en publicaciones de moda y estilo como Vogue. La repostería ocupa ya un lugar fuera de las típicas pláticas de cocina.

Pastel de Designcakes.

Mi favorito: Pastel de Cakes Haute Couture

Más.

El blog de Cookies Haute Couture. (En español)

El blog de Desing Cakes. (en inglés)

Lo que viene: Entrevista a León Ferrari, serie de extraños santos del cristianismo.

imagen del día: "Mariachi Tequila" de Jean-Paul Gaultier

2010-01-27T21:51:00.000-08:00

Mariachi mix de alta costura: la propuesta de Gaultier para 2010.

En su más reciente desfile dentro de la Semana de Alta costura Primavera-Verano de París, el diseñador Jean-Paul Gaultier se inspiró en el folclore mexicano, más concretamente en deformados estereotipos de lo Mexicano para crear su última colección en la que incluye sombreros y trajes de charro traídos al siglo XXI, penachos, trajes exóticos que recuerdan la reciente película avatar, colores brillantes, metales, palmas naturales y otros elementos que acentúan lo excéntrico de México. El desfile se inauguró con el clásico grito del mariachi, el primer conjunto se llamó "mariachi Tequila", otros se llamaban Veracruz, Sierra Madre chic o "El dorado" (sic.). Gaultier, sin ruborizarse siquiera, admite que el origen de esta colección fue la cinta Apocalypto (2006) , esa película dirigida por Mel Gibson en la que al final (spoileeer!) los mayas ven llegar los barcos españoles, esto a pesar de que, según la historia real, la población maya de esa zona mermó muchos, muchos años antes de la llegada de los españoles quienes, por cierto, llegaron por Veracruz y no por la zona sur del país como parece indicar la cinta, en la cual, sólo por comentar, también aparecen mangos y conejos ( ninguno de éstos existía en latino américa antes de la llegada de los españoles).

Acá algunos diseños (da click acá para ver en pantalla completa):

Gaultier admitió que tenía más de 30 años sin visitar México, sin embargo se basó en multiples documentos para crear su colección en la que conjuga, eso sí magistralmente, estereotipos mexicanos con elementos punks y elementos propios de la alta costura. Con todo la colección sale adelante con propuestas innovadoras y sutiles giros de tuerca con respecto a las tendencias actuales.

Más. El desfile completo (en francés)
Nota sobre el desfile en La Voz de Galicia.

lo que viene:, pasteles de "alta costura", entrevista a León Ferrari & serie de extraños santos católicos.

Imagen del día: "El arte, ese mundo de sinvergüenzas"

2010-01-27T10:22:00.000-08:00

Para empezar con la nueva etapa de A.P., vamos a burlarnos un poco de nosotros mismos con este video en el que El gañan nos explica como el arte se ha vuelto una estupidez, todo aderezado con mucho humor simplón. El gañan es un personaje creado por el humorista español Joaquín Reyes e interpretado por Ernesto Sevilla para el programa La Hora Chanante (2002-2006). La crítica humoristica de El gañan se centra, cómo casi todas las críticas al arte actual, en la cuestión estética de la obra o acción artística, denostando el papel conceptual de la misma, además obviando que lo feo o lo deforme es también un discurso estético, en fin...en ultima instancia el gañan tiene razón, el arte es un mundo de sinverguenzas, si no basta ver ferias de artistas emergentes, tan provocadores, tan rutinarios, ya lo decía Octavio Paz "la negación ha dejado de ser creadora", o mejor aun, como diría el gañan " los jóvenes artístas están como vacas en el lodazal, nada más que haciendo el gilipollas..."

Más.
Lo que viene: serie de extraños santos del cristianismo.

Imagen del día: Accidentes Perfectos V. 2.5

2010-01-26T12:04:00.000-08:00

Este blog ha llegado a las 11 mil visitas y tiene ya 15 seguidores, esto hay que festejarlo, por lo que lanzo la versión 2.5 de Accidentes perfectos, arte en medio del caos. ¿qué hay de nuevo? las temáticas serán las mismas, pero hay positivos cambios en el formato.

Primero tenemos arriba una barra de navegación horizontal en dónde pueden ver de qué va este blog, contactarse conmigo, ver una amplia serie de links de arte y unirse al recién abierto Grupo de Facebook.

En el grupo de facebook no sólo aparecerán las actualizaciones del blog sino noticias (links a noticias, videos, etc.) continuas relacionadas con el arte, será un grupo actualizado incluso varias veces al día. Otra cosa nueva es que...y esto me apena mucho...ya se pueden dejar comentarios en el blog! ya que por alguna rara razón antes no se podía dejar comentarios, no me había dado cuenta de esto.

Además las entradas ahora tendrán al final "entradas relacionadas", es decir tres sugerencias para seguir leyendo este blog, que, por lo demás, será más sencillo de leer pues añadí al final de la página una barra de navegación numerada, para saltar de entradas en entradas más agilmente.

Por último metí una nueva cabecera aleatoria, por el puro gusto. En esta aparece del lado izquierdo Jackson Pollock y del derecho Richard Serra, ambos, uno con pintura y otro con plomo, creando accidentes perfectos.

Pero esta nueva etapa no estará completa sin sus comentarios, así que digan que quieren ver en este blog: temas, artistas, especiales, etcétera, todos serán tomados en cuenta, pueden dejarlos acá en la sección de comentarios, en facebook o a mi mail en la sección de contacto.

Salud!

Imagen del día: Walking Crowd (2009)

2010-01-22T20:15:00.000-08:00

Alex Delany es un artista que trabaja fundamentalmente con vídeo editado digitalmente. Su tema es la gente común, los típicos citadinos, tan modernos, viviendo en sus ciudades cosmopolitas y cómodas...terriblemente aburridas y vacías. En walking Crowd, Delany crea una multitud que camina indiferente y alineada, un rebaño de hombres y mujeres solos cambiando siempre hacia algún sitio al que nunca se llega.

Visto en VVORK.

Imagen del día: SITAC VIII, México.

2010-01-20T17:38:00.000-08:00

"Turbulencias 1" de Carlos Amorales.

El patronato de arte contemporáneo ac, presenta la edición número ocho del Simposio Internacional de Teoría sobre Arte Contemporáneo (SITAC), que lleva por nombre Puntos ciegos. El simposio se realizará 4, 5 y 6 de febrero de este año dentro del teatro Julio Castillo (Unidad artística y cultural del Bosque s/n Colonia Polanco), Distrito Federal México y tendrá un costo...hasta donde sé, de $100.00 y $50.00 para estudiantes, los boletos estarán a la venta en el Museo Carrillo Gil y el Museo Tamayo a partir del 26 de enero.

En esta ocasión el simposio girará en torno a los puntos ciegos...esas áreas no observables ni analizables por la teoría clásica del arte (o más correctamente las teorías) como el cine experimental, el performance y el arte con perspectiva de género o de plano feminista. Éstos, entre otros temas/desafios serán el eje central del simposio, en el cual estarán presentes, entre otr@s, la historiadora de arte Jennifer Sorkin (especialista en género y performance), Rita Eder (historiadora y crítica de arte) y los artistas Silvia Gruner y Carlos Amorales.

Además por estos días también será el coloquio "La creatividad redistribuida" (25 al 28 de enero en el Centro Cultural España en México. En este coloquio, organizado por Nestor García Canclini y Juan Villoro, se tratarn temas fundamentales en torno a las nuevas formas de creación, recepción, difusión, y en ultima instancia apropiación, del arte. No hablaré mucho más de dicho encuentro pues no alcancé lugar (pfffff!) y pues nadie que lea esta entrada encontrará sitio tampoco.

Cartel y programa de SITAC VIII:

Más.

Nota del Informador.

Imagen del día: Haiti.

2010-01-15T08:28:00.000-08:00

"La pared de mi vecino" del artista naif haitiano Gesner Armand.

El pueblo de Haití es un pueblo guerrero y antiguo, heredero directo de la cultura africana, fue el primer país latinoamericano en lograr su independencia, esto en 1804: en pocos años pasaron de esclavos a hombres y mujeres libres. Su historia es triste y cruel, por su pequeño territorio han pasado las mezquinas manos de Francia, Inglaterra y Estados Unidos, siempre intentandoles arrebatar su riqueza y dignidad. Ha sufrido de gobiernos tiránicos, golpes de estado, sangre y violencia continua, acentuada en las últimas décadas.

obra de J.C. Hector, pintor Naif haitiano.

Haití es un paraíso que no ha podido ser, es, de los nuestros, el país más pobre, hundido además en la violencia y la represión al pensamiento diferente. Hoy aunado a esto la naturaleza ha arremetido contra este pequeño pedazo de isla, destruyéndola física y moralmente. Desde este pequeño blog nos unimos a la pena que sufre el pueblo Haitiano (nosotros los mexicanos que hemos sufrido tanto en el terremoto del 84 y que también fuimos tan confortablemente apoyados por el mundo), y convocamos al apoyo masivo al país. Según las estadísticas del blog, la gente que nos visita principalmente viene de México, España, Argentina, Colombia y Chile, así que aquí van los datos para donar por cada país:

México.

Centros de Acopio en DF, México.

Centros de Acopio en Guanajuato, México.

Centros de Acopio en Torreón, México.

Más Centros de Acopio en DF y Guadalajara, México.

España

Teléfonos y números de cuenta para donaciones en España.

Formulario para donaciones. Cruz Roja, España.

Argentina.

Para apoyar a Haití a través de la Cruz Roja.

Colombia.

Donaciones en efectivo.

Donaciones en especie, dónde y qué donar.

Chile

Varias opciones para apoyar a Haití.

Otros:

Centros de acopio en Caracas, Venezuela.

Centro de Acopio en Puerto Rico.

Más.

Carta de Fidel Castro sobre Haití.

imagen del día: 4 muertes.

2010-01-09T21:31:00.000-08:00

Cadáver real fotografíado por el artista Andrés Serrano, en su serie Morgues.

En la sociedad del espectáculo todo suceso gira en torno a la imagen, ese es su valor supremo. Incluso la muerte más que un problema teológico o filosófico, es una cuestión de imagen, un impacto visual. En tiempos de muerte como los nuestros ésta es banalizada en periódicos, revistas y otros medios de comunicación (incluido el arte), se vuelve un hecho perdido entre miles, una nota al píe, una cifra ilustrada, incluso un chiste,recuerdo siempre aquella primera plana del periodico El metro, la noticia central era sobre un cadaver encontrado en un canal de aguas negras. El titular decía: "de a muertito", otro día, en ese mismo periodico salió la nota de dos militares norteamericanos quemados en Irak y colgados de cables de luz, el titular del diario fue "Término medio". Quizá el humor y la banalización son recursos que nos libran de lo terrible de la muerte, de lo imposible que es comprenderla. Ya no nos queda dios para explicar, con un emotivo silencio, el sentido de la muerte, así que un sustituto es la imagen, la saturación como antídoto de la reflexión. El impacto dura un instante, la muerte es para siempre.

La joven Evely McHale se suicidó en 1947 arrojándose del Empire State, por una decepción amorosa. Cayó sobre el techo de una limusina, momentos después el fotógrafo Robert Wiles inmortalizó hermosamente su cadáver.

Hoy el gobierno Mexicano libra una guerra contra ciertos carteles del narcotráfico, por lo que la muerte brutal (decapitados, ahorcados, personas deshechas en ácido)se ha convertido en un hecho cotidiano. Los cadáveres son propaganda, como tal son colocados en lugares visibles, e intentando provocar el mayor impacto en el receptor de los mensajes, esto es algo común entre los narcos, pero recientemente el gobierno Mexicano ha demostrado que también es parte del juego con la imagen de la muerte. En un operativo desmedido compuesto por 200 militares, fue asesinado el capo de la droga Arturo Beltrán Leyva, tras su muerte "alguien" tomó fotos del cadáver cobre el que arrojaron decenas de billetes ensangrentados y objetos religiosos: es un trofeo que, como cazadores internados en la selva, exhiben sin reparo: su muerte no merece respeto, porque él privo de la vida a cientos, ese es el discurso que se esconde tras la imagen.

Imágenes del cadáver de Arturo Beltrán Leyva.

Lo mismo pasó años atrás en Colombia cuando un comando militar asesinó al líder total de la cocaína: Pablo Escobar, tras matarlo, varios militares posaron sonriendo al rededor del indefenso cadáver del hombre más poderoso de la historia del narcotráfico, ese que logró controlar toda una región, ese que aterrorizó al país con coches bombas, ese asesino intelectual de inocentes, ese ser humano.

Militares posando al rededor del cadaver de Pablo Escobar en 1993.

La imagen es una simulación, no es la muerte, es una representación, un discurso simbólico que impacta a sus receptores, es parte de la construcción de los mitos y de los sentidos de la historia.

Más. La imagen y la muerte, un ensayo.

imagen del día: "fotografía subjetiva alemana"

2010-01-09T10:56:00.000-08:00

esta entrada se ve mejor escuchando esto:

"Steel" de Adolf Lazi.

El museo de San Idelfonso de la ciudad de México presenta una selección de fotografía experimental alemana de 1948 a 1963, bajó el nombre de "Fotografía subjetiva.. La contribución alemana" (aquí el excelente texto de presentación). La fotografía subjetiva es una corriente artística alemana de posguerra, que surgió como contestación estética y conceptual a la imagen como objeto de propaganda (tan común en la construcción simbólica del nazismo), fue un estilo complejo, oscuro e industrial, nacido del hastío urbano aunado a una profunda inquietud por crear una realidad alterna a través de la manipulación de la imagen.

"Bridge and Cathedral" de Hermann Claasen

Las fotografías creadas por esta generación son profundamente actuales, no sólo por su calidad y experimentación, sino por su temática oscura, desencantada y misteriosa, una atmósfera que recientemente se ha vuelto a sentir en Europa, un cansancio postindustrial.

arriba: "instructive view of the toracic cavity" de Herbert List.Sobre el texto "Viejos tiempos" de Tony Schneiders.

Esta exposición cerrará en enero de 2010, vale la pena, además en el mismo recinto hay otras 2 muestras interesantes: las esculturas de Antony Gormley y el arte urbano postfolklórico de Betsabé Romero.

"Bewegung" de Marta Hoepffner.

Más. un video.

imagen del día: "Gabriel Orozco en el MoMA"

2009-12-13T20:05:00.000-08:00

Orozco, frente a su obra

Hoy 13 de diciembre de 2009 abrió sus puertas la primera gran retrospectiva de Gabriel Orozco(aunque habría que mencionar la importante exposición que se presentó en el Palacio de Bellas Artes de México en 2007) en el MoMA de Nueva York. El artista mexicano (nacido en Veracruz) es uno de los más influyentes en el mundo del arte desde los años noventa por su poco ortodoxa manera de interpretar las más importantes corrientes del arte del siglo XX desde una perspectiva "tardomoderna", cósmica, enigmática y juguetona.

Espectadores ante una instalación del artista.

En México este artista es (en este caso, para mal) un ejemplo que siguen muchos otros, es decir, las nuevas generaciones se están educando bajo esta linea estético-argumentativa, si no suena a Orozco no es bien visto por mucha gente dentro del mundillo.Así, bajo la estúpida premisa de que la fórmula se puede repetir, se están gestando en las escuelas pequeños imitadores, por definición más mediocres, mientras que otr@s artístas menos apegados a las modas son ignorados por los grandes compradores. El éxito de Orozco ha creado monstruos, pero, como escribió recientemente Blanca González Rosas para la revista Proceso, es también una señal de cambio en la percepción que se tiene a nivel global del arte mexicano; desde finales de la década de los noventa, gracias a la generación de artistas a la que pertenece Orozco, el arte hecho en México para el mundo dejó de ser necesariamente folclórico, exagerado, colorido, se aniquiló el cliché eurocéntrico que restringía la entrada de propuestas artísticas mexicanas al circuito del arte internacional. Esta retrospectiva de Orozco (que comienza en el MoMA, pero que viajará a la Tate Modern y el Centro Pompidou) contribuye a la destrucción total de los prejuicios que se tienen en otras latitudes sobre el arte Mexicano y abrirá, seguramente, la puerta a jóvenes creadores (que espero, no sean simples imitadores), es una oportunidad interesante para dar a conocer nuevas propuesta a otras latitudes del globo, Orozco con su trabajo constante y consistente (sobrevalorado o no, sobreinterpretado o no) ha abierto las puertas.

Su famoso Citröen Modificado será pieza clave en la muestra.

Más. Nota de El Informador sobre la Exposición.

imagen del día: Entrevista a Roger Von Gunten y selección de obras..

2009-12-13T09:50:00.000-08:00

El pintor, en su estudio.

Hoy el diario mexicano La Jornada publicó, en su suplemento cultural, una interesante entrevista al artista Roger Von Gunten realizada por Ricardo Venegas. En ella el pintor y escultor de origen Sueco pero nacionalizado Mexicano da su opinión sobre el arte actual, los críticos y del arte como forma de vida. Aquí presentamos la entrevista completa además de algunas pinturas suyas:

¿Qué tan importante es el entorno respecto a la creación de la obra?

-El entorno en que se desarrollaría la obra incluiría no sólo lo visual sino la música y los libros, porque sí es muy importante. Fui un año a Indonesia para pintar como si estuviera aquí no para pintar aquello, sino pintar como si estuviera en mi casa, pero vi cómo el entorno se impone finalmente.

Buda con flores, 2002.

-¿Tepoztlán ha sido propicio para ese entorno?

-Sí, he vivido casi la mayoría de mi vida en Tepoztlán, ahora ya ve que es muy concurrido, hay mucho tráfico, vendí mi casa y nos venimos para acá.

-Lo veo rodeado de naturaleza…

-Sí, aunque ya hay muchísimas casitas.

-Usted propone que la obra de arte debería sumarse como organismo vivo a la naturaleza, ¿cómo es esto?

-Fíjate que una obra de arte es un organismo y lo que distingue una obra de arte es justamente esto, que tenga una irradiación vital. Ese es mi argumento, que se contrapone con la pintura de artista que presenta al mundo como si fuera un inventario de cosas, y no miramos todo con la misma atención, miramos sólo lo que nos interesa.

-Cuando cobra vida una obra, se dice que se ha emancipado de su autor de alguna manera. ¿Usted qué piensa de esto?

-Me cuesta deshacerme de mis obras, muchos pintores terminan un cuadro y ya van a hacer otro, tengo ciertas imágenes que consulto, tengo una relación con los cuadros que ya hice, no me deshago de ellos tan fácilmente, como debería ser. Uno no debería asirse a las cosas, pero lo veo también como consulta, como parte de un camino, como algo que se puede ver en retrospectiva, un poco alejado.

-Pensándolo así, el autor nunca se aparta totalmente de sus obras.

-No se puede generalizar, hay muchos artistas que ya terminan y hay otros, y sienten como una carga la obra que han hecho.

-¿Cómo observa Roger Von Gunten las propuestas en las artes plásticas de los jóvenes?

-Las propuestas no tienen ningún sentido en el arte, entonces eso de que uno debe tener propuestas y que debe tener proyectos, es lo que dicen gentes que no tienen nada que ver con el arte, que son totalmente ignorantes de lo que se trata el arte; el mundo actual de este arte contemporáneo me parece un imperio de emperadores encuerados, no hay sustancia.

-¿En qué tendría que consistir una contribución en el arte?

-Dar teoría a un artista es como dar navegación a las ballenas. Si vemos el arte como el mar, nosotros somos los habitantes y los teóricos son los navegantes, los dos tenemos que ver con el mar y los dos no podemos tener el mismo punto de vista.

La laguna, 1991.

-Esto es algo que en muchas ocasiones no se dice o se dice de manera muy superficial, precisamente porque a muchas instituciones les ha convenido lanzar este tipo de juicios, de propuestas “consistentes e innovadoras”…

-Esto es imposible, el espíritu sopla al hombre cuando quiere, esto no se puede controlar, por eso digo que el mundo de los historiadores y teóricos está bien, son los navegantes, conocen cuantos kilómetros hay entre Acapulco y Manila y conocen los vientos, pero nosotros respiramos el arte.

-Tocando otros terrenos: qué tan importante es la espiritualidad en la vida de Roger Von Gunten.

-Es importante en la vida de todos; si no, no estuviéramos animados, no seríamos hombres. Es difícil de clasificar, es una animación, somos personas animadas, cuando queremos hacer arte somos conductos del espíritu.

Escena de Circo

-¿Es una forma de vida, como muchos lo aseguran?

-Es una forma de manifestar su vida, otras gentes hacen otras cosas, a nosotros nos toca tener la inspiración o el impulso para pintar o para hacer música, una especie de tarea, de tarea ineludible.

-¿Por qué ineludible?

-Porque lo hacemos, simplemente lo hacemos, los niños también lo hacen, les dan crayones y lo hacen.

-En términos aristotélicos, ¿el arte imita la naturaleza?

-No, el arte es parte de la naturaleza.

-¿El artista está obligado a tener una postura?

-Sí, es que la naturaleza no se puede imitar, se vuelve naturaleza imitándole. Es un gusto, un gozo, no hay nada que asumir, si lo asumes carecería de espontaneidad.

-¿Algunos vivimos forzadamente el arte?

-Yo creo que sí, hay esa posibilidad de que podamos dar una forma más o menos duradera a algo que no se puede describir, que no se puede apresar; que lo podamos codificar dentro del tiempo y del espacio, esto es el arte, entonces esta sí es una función ineludible, el que lo tiene que hacer lo tiene que hacer. Pienso en tantas luchas que han tenido los artistas con esto, la cosa es que hay que hacerlo.

-¿Cómo es la experiencia de poder enseñar a aquellos que lo solicitan?

-He dado muchos cursos sobre color y composición, que color y composición son los elementos básicos de la pintura y son oficios, son maneras de hacer, de aprender a hacer, de aprender a mover las manos, de aprender a mirar, de conocer los colores, cómo funcionan, de respirar pintura.

-¿Cómo se siente en este momento como creador?

No lo sé, quizás me podría referir a una entrevista que le hicieron a Tamayo cuando regresó de Europa; le dijeron: “Maestro Tamayo, es usted ahora el gran maestro pintor de México”, y el respondió: “yo nunca he querido ser maestro, siempre quiero ser aprendiz de la pintura”. El mundo de la pintura es tan grande, el mundo del arte es tan grande, que sentirse maestro es como subirse a una plataforma y sentarse allí, pero el mundo es más grande.

Visto en: La Jornada.

Más: Texto sobre el artista en la Revista Letras Libres.

imagen del día:"para besarte, para acariciarte y para verte mejor " (tres acciones)

2009-12-11T11:11:00.000-08:00

La artista, preparando una exposición.

Jessica Lagunas es una artista Guatemalteca (aunque nació en Nicaragua -1971-) de la generación de finales de los noventa que tras la guerra comenzó a trabajar en la acción artística como acto político. Esta generación, de la que son parte Regina José Galindo, María Adela Díaz y Sandra Monterroso se dedicó a explorar las dificultades del ser mujer en un entorno violento y misogino a través de acciónes de arte de gran impacto visual y simbólico.

En este caso hablaré de una serie de acciones realizadas entre 2003 y 2005, las tres acciones conforman una sola exploración sobre el estereotipo hipersexualizado de la mujer en occidente que la obliga a recrearse cada mañana frente al espejo para construir una imagen eróticamente atrayente para el sexo opuesto: una simulación que sexualiza enteramente a lo femenino, pero no sólo eso, sino que crea un erotismo artifical desvinculado de las caracteristias propias de la persona pues ésta busca crear una imagen distinta incluso a su propia fisonomía y origen racial a base de maquillaje. El proceso consiste en añadirse maquillaje una y otra vez (lápiz labial, pintura de uñas, rímel) como exageración grotesca de la necesidad compulsiva por cumplir estereotipos inalcanzables(ahora más inalcanzables pues sólo existen en lo virtual gracias a Photoshop).

La artísta justifica así sus tres acciones:

Para besarte mejor. La artista se aplicó labial una y otra vez durante una hora.

"En el nombre de la belleza la mayoría de las mujeres ha de maquillarse, arreglarse el cabello, las uñas, depilarse, hacer dieta, arreglarse la nariz y los senos..."

Para acariciarte mejor. La artista se pintó las uñas una y otra vez durante dos horas

"...aunque pocas mujeres alcanzan los ideales de belleza de nuestra sociedad, están dispuestas a esculpir sus cuerpos según sea necesario..."

Para verte mejor. La artista se aplica rímel una y otra vez durante una hora.

"...en estas acciones juego con los rituales de belleza femenina realizándolos de manera exagerada a fin de reflejar las presiones impuestas por la sociedad de hoy. El título está inspirado en el cuento de Caperucita Roja."

Adjunto además un video de la acción Para verte mejor proporcionado por la artista al museo de la Ciudad de Jersey:

Imagen del día: "Retrato de un hombre, de medio cuerpo, con las manos en la cintura"

2009-12-09T16:29:00.000-08:00

Es tiempo de ventas, la casa de subastas Christie´s puso a puja ayer (8 de diciembre de 2009) una poco conocida obra del maestro barroco Rembrandt. La obra de 1658 (año en que el pintor se declaró en banca rota y vendió su estudio) llamada "retrato de un hombre, de medio cuerpo, con las manos en la cintura", alcanzó un precio récord para el pintor, se vendió a un coleccionista privado en 20 millones 201 mil 205 libras. El récord anterior de un Rembrandt era de 19,8 millones de libras, pagados también por un comprador anónimo en una subasta de Christie´s por el "Retrato de una dama de 62 años".

La importancia de esta obra es primero su historia; tras pasar de mano en mano y estar incluso en la Universidad de Columbia fue vendida a un coleccionista privado, quien la facilitó para ser exhibida públicamente por última vez hace 40 años y no se había vuelto a mostrar hasta ahora. Otro aspecto importante que aumenta su valor es que, como mencioné, fue pintada en uno de los peores años para Rembrandt, un momento turbulento y de gran cambio; resulta paradójico que su pintura más cara haya sido pintada por el en su peor momento económico.

Mujer observando el retador cuadro en Christie´s

Pero no sólo Rembrandt fue la estrella de la noche, también se vendieron, en cifras récord, un dibujo de Rafael y una pintura de Domenichino. El mercado del arte que pasó por difíciles momentos durante la crisis (aunque en realidad no tan catastróficos como se esperaba: el arte es una buena inversión), se ha recuperado de nuevo.

Más.

Ve la nota de Prensa de la casa Christie´s (en inglés)

Imagen del día: "Turner Prize 2009"

2009-12-07T18:58:00.000-08:00

Mural de Richard Wright.

El premio Turner es uno de los galardones más importantes del arte contemporáneo. Otorgado por la Tate de Londres desde hace 25 años este premio siempre ha sido deliberadamente escandaloso al premiar a lo más arriesgado de la creación artística Inglesa (han premiado por ejemplo a Damien Hirst, Grayson Perry y Anish Kapoor de quienes ya hemos hablado aquí), sin embargo en los últimos años los jueces se han acercado a artistas más discretos (tal es el caso de la Pintora Tomma Abs, ganadora en 2006) en contraste con los escandalosos y efectistas a los que usualmente se premiaba en los noventa.

El ganador del Turner frente a su efímera pieza en la Tate.

La historia se repite este año, hoy 7 de Diciembre de 2009, se anunció al ganador del premio, los nominados eran el pintor e ilustrador Enrico David, el joven neoconceptual Roger Hiorns y la dibujante y escultora Lucy Skaer y el ahora ganador Richard Wright, un pintor muralista preciso y sobrio de 49 años (apenas un año menos que el límite de edad para poder concursar por el premio) galardonado por su trabajo expuesto en la 55th Carngegie International de Pittsburg y por su exhibición en la Galería Ingleby. Su obra es detallada pero efímera, de hecho la obra que realizó para la Tate (una compleja obra entra abstracta y barroca hecha con lámina dorada) será, como practicamente todos sus murales, pintada por encima con pintura blanca una vez se termine su exhibición, Wright no quiere que ninguna de sus obras sobreviva para la posteridad, dice que sus obras son para el presente, no para el futuro, efímeras formas de luz que se desvanecen en la mirada y en el tiempo. Al subir a recoger el premio dijo "muchas gracias, justo cuando pensaba que me podía relajar ocurre esto...no tengo nada solemne que decir, sólo gracias, eso es todo"

Otro minuscioso trabajo de Wright, que, como los mandalas de arena, pronto se desvanecerá.

Más

Nota en ABC.es
Nota en La Jornada.

Imagen del día: "La chompa de Evo"

2009-12-07T08:56:00.001-08:00

"a Cochabamba me voy,

a Cochabamba señores,

cantarán los ruiseñores

¡a Cochabamba me voy!"

-Victor Jara-

Hoy Lunes 7 de Diciembre de 2009 es un día alegre para Nuestra América, pues Evo Morales, tras unas elecciones arrasadoras, es de nuevo Presidente de Bolivia con 62% de la votación, además su partido (El Movimiento Al Socialismo) logró 2/3 de representación en el Senado lo cual hará que las transformaciones necesarias para el país sean más fluidas. La transformación hoy es imparable, Latinoamerica es la región que actualmente está haciendo un esfuerzo más constante y consistente contra el actual orden mundial, e incluso en algunos de sus países se opta por transformaciones no sólo de forma sino de fondo, reconceptualizaciones desde el presente regional en cuanto a política, sociedad y economía, tal es el caso del Gobierno representado por Evo Morales que camina (con sus equívocos, sus pasos en falso, claro) firme hacía la construcción de un país más equitativo y respetuoso de las diferencias.

Aquí hablaré de un tema aparentemente de segundo orden: La Chompa de Evo Morales (este blog también ha dedicado en otras ocasiones entradas a la ropa como el especial sobre el Paris Fashion Week 2008 y las creaciones del diseñador Gareth Pugh), sí su "famoso" sueter que ha sucitado las críticas de varios sectores "a la moda", por ejemplo la Revista TIME, a principios de 2009 presentó su lista de "Los presidentes peor vestidos", entre los primeros lugares de la lista se encuentran Fidel Castro, Hugo Chavez y Evo Morales. Me sorprende que entre las justificaciones de la revista TIME no incluyan el hecho de que la ropa y más en la política, es también parte del discurso; un presidente enfundado en un traje Brunello Cucinelli, sobre una camisa Salvatore Ferragamo sujetada en el pescuezo por una corbata Charvet, perfumado con Paco Rabane y de cuya muñea cuelga un reloj Jaeger-LeCoultre no puede venir a hablarme a mi ni a nadie de socialismo del siglo XXI, ni de revolución y menos de multiculturalidad. Fidel usó durante todo su mandato un traje militar como parte de un lenguaje de revolución continua y de resistencia ante el Embargo Norteamericano (usar un traje militar era decir: en el momento en que comience la ofensiva estamos preparados), Hugo Chavez, de origen militar y conocedor de las teorías sobre liderazgo, necesita un lenguaje físico explícito y fácilmente comprensible por el pueblo; el rojo debe acompañarlo sobre todo en visitas internacionales, pues es el símbolo del socialismo Chavista. No es coincidencia que la revista GQ (también conocida como la Vouge para hombres) haya nombrado al presidente Barack Obama el hombre mejor vestido del año, junto con el Príncipe Felipe y Francisco Camps (miembro del Partido Popular de España) entre otros, todos representantes de un sistema político excluyente, elitista y neoliberal (para las victimas de la Obamania: seguimos esperando que cumpla sus promesas, como le dijo Michael Moore: Felicidades por el Nobel, ahora ganeselo...)

Chompa negra de botones.

En el caso de Evo Morales, su típica chompa tiene un profundo significado. Recuerdo que, sobre todo cuando visitó España con su chompa a rayas, las críticas y las burlas a su indumentaria han sido constantes, incluso escandalosas diría yo. Con su chompa (prenda muy similar al suéter) visitó al Rey y al Presidente de España, muchos lo tacharon como un insulto por su informalidad, en realidad estos críticos sólo hicieron evidente su ignorancia y su Euro-egocentrismo típico y poco reflexsivo.

Chompa decorada con el Colibrí de Nazca

Hablemos un poco de la Chompa y el discurso político que implica vestirla. Primero habría que decir que, a diferencia de lo que afirman algunos bienintencionados periodistas, la chompa no es informal, al contrario en varios pueblos originarios es considerada una prenda elegante utilizada en ocasiones especiales. Las Chompas tradicionalmente son tejidas por las madres y hermanas de quien las usa, es un vínculo con la comunidad también. Así Evo parado dignamente con su chompa en los palacios Europeos levantados gracias a la explotación de américa latina, lleva puesta una prenda que representa 500 años de resistencia, él, el primer presidente "indígena" de Bolivia sabe exactamente por qué y para qué porta su Chompa de alpaca, que escandaliza a la burguesía, pero seguramente no más que las nacionalizaciones y, en general, el viraje económico que ha vivido actualmente Bolivia.

Chompa unisex con grecas y aves.

Incesante es también otro fenómeno paralelo; mientras unos crítican y desprecian la Chompa, otros se han encargado de popularizarla, viendo en ella un símbolo de resistencia o de identidad con las causas latinoamericanas, claro este proceso mercantil también vuelve más efímero el significado de la prenda (ahora se puede comprar por internet una igual a la que usó evo en su tour por Europa), símbolo real de la resistencia de américa latina hoy, una resistencia que cobra cada vez más fuerza con triunfos como el de Ayer en las históricas elecciones en Bolivia.

Chompa estilo Evo, en venta.

Más.

Entrevista al sociologo aymara Pablo Mamani sobre el Estado multicéntrico.

Imagen del día: "la colección de Tanzi, descubierta"

2009-12-06T15:28:00.000-08:00

Él es Calisto Tanzi fundador y ex dueño de la empresa lechera Parmalat, se hizo famoso hace seis años cuando su empresa quebró y se descubrió que él era el artífice de un enorme fraude financiero. El juicio por este delito comenzó en Milán (Italia) en 2005, y tras un largo juicio se le condenó a 10 años de prisión en 2008, sin embargo poco después fue puesto en liberad condicional. Sí, sabemos que en las altas esferas del poder económico y financiero las diferencias entre lo ilegal y lo legal se diluyen, sabemos que el poder corrompe a las personas pero ¿qué tiene que ver esto con un blog dedicado al arte? pues muchos hablaban de un tesoro oculto que poseía Tanzi, se hablaba de una amplia y exquisita colección de pinturas realizadas por grandes maestros del arte mundial, sin embargo él negaba constantemente estos rumores y afirmaba que tal colección era un mito. De hecho hace apenas algunas semanas volvió a afirmar categóricamente que tales pinturas no estaban ocultas en ningún sitio sino que nisiquiera existían, sin embargo la justicia italiana ya tenía abierta una investigación secreta por lo que ayer 5 de Diciembre de 2009, anunció que tras varias redadas encontró, ocultas en varios áticos, 19 pinturas pertenecientes al magnate, entre las cuales se encuentran nombres tan relevantes como Van Gogh, Modigliani, Picasso, Manet, Degás y Cezanne. Su valor en conjunto es de, según las primeras estimaciones, 100 millones de Euros. Todas las pinturas fueron confiscadas por el Estado Italiano...

Aquí un par de ellas:

Polícia sostiene una naturaleza muerta de Picasso

Dos elementos cargan un cuadro de Giuseppe de Nittis

Esta noticia nos habla del importante valor de uso que tiene el arte (supeditados quedaron el valor de culto y el valor de exhibición) en el mundo actual. Ahora, hoy muchos de los coleccionistas de arte lo hacen no por apreciación estética o intelectual sino como inversión a mediano o largo plazo pues en momentos como esta gran crisis global, el arte puede ser una inversión estable y conveniente como cualquier otro bien material.

Más.

Imagen del día: "Monumento contra la guerra y el fascismo"

2009-12-06T11:01:00.000-08:00

retrato de Alfred Hrdlicka por Max Lautenschläger

Se dice que el poeta W.B. Yeats, viejo y enfermo en su torre, poco antes de morir, gritó sus ultimas palabras: "¡conflicto, lo que necesitamos es más conflicto!". Es cierto, en el arte como en las sociedades y en general en la vida es necesario siempre el conflicto contra la aburrida fluidez del día a día. Pienso que el arte es más digno cuando provoca conmoción, escándalo, conflicto o el más delicioso enojo popular, el arte no puede dejarnos indiferentes, no debe, su obligación es arrancarnos de nuestro estado de somnolencia cotidiana, ha de escupirnos algo de realidad y de verdad a la cara, de lo contrario se diluiría en las efímeras memorias de lo cotidiano.

Pocos artistas, en estos tiempos en los que el escándalo moderado es aceptado en el mundillo, pueden jactarse de ser unos provocadores sin caer en la grosería o en el vulgar insulto de taberna o en la broma adolescente. Uno de los últimos artistas provocadores del siglo XX era quizá Alfred Hrdlicka (en este blog ya hablamos de él aquí) quien falleció apenas ayer (5 de diciembre de 2009) a los 81 años de edad. Irónico y oscuro como era seguramente murió sonriente pues poco antes de morir logró provocar un ultimo escándalo con su exposición "Religión, carne y poder" presentada en la Catedral de San Esteban en Viena (2008) cuya pieza central era una Última Cena en la cual Jesús y sus apóstoles participaban en una salvaje orgía homosexual, otra pieza importante mostraba a Jesús crucificado, sin cabeza visible pero con un ostentoso pene erecto, al respecto de esta obra el propio artista declaró "no quiero elogiarme, pero una crucifixión mejor que esta casi no la ha hecho nadie". Desgraciadamente, o quizá mejor aun, la Última Cena de Hrdlicka nunca pudo ser expuesta debido a las protestas de grupos católicos previas a la inauguración de la muestra.

Alfred, maestro del conflicto murió lleno de la gloría que él prefería: la provocación, pues si hay algo peor que pasar desapercibido como artista, es ser aplaudido por la podredumbre conservadora. Para conmemorar a ese excelente viejo comunista aquí hablaré un poco de otra de sus "chocantes" obras: su "monumento contra la guerra y el Fascismo". Austria actualmente cuenta con decenas de memoriales y placas que conmemoran a las víctimas de la Segunda Guerra Mundial (incluso hay en Austria, un memorial que recuerda la protesta de México contra el Régimen Nazi en 1938), sin embargo pocas piezas son tan potentes y significativas como la de Hrdlicka. El proyecto del monumento contra el fascismo fue encargado en 1983 al artista quien decidió el tipo de monumento y en dónde sería emplazado. La idea no fue bien recibida pues fue considerada un insulto al pueblo judío, sin embargo finalmente se logró hacer realidad en 1989 (y la parte final hasta 1991).

A simple vista parecen sólo cuatro piedras en las que se insinúan esculturas aun por concluir en medio de las cuales, directamente en el suelo, hay un montón de bronce apenas con figura humana; ese representa al pueblo Judío. Sin embargo la pieza es mucho más compleja de lo que parecería para los ojos profanos. Los simbolismos empiezan desde el lugar en donde se encuentra; el monumento se levanta en la Albertinaplaz, ubicada en una zona céntrica de la ciudad de Viena, se decidió que ese era el lugar indicado porque ahí, décadas antes de ser una limpia plaza, existía un refugio antibombas, en donde el 12 de marzo 1945, en plena guerra, al rededor de 300 austriacos se refugiaron de los ataques nazis, sin embargo un ataque aéreo enterró el refugió matando a todos los que ahí se ocultaban. La indignación popular vino después de la guerra cuando el gobierno anunció que no rescataría a los cuerpos de las víctimas, al contrario, pronto el lugar fue cubierto para construir la bella plaza Albertina: un ocultamiento avergonzado del pasado. Por eso Hrdlicka y otros decidieron que era necesario recuperar esa parte de la memoria construyendo el monumento ahí, en la plaza bajo la que aún permanecen los restos de 300 victimas del fascismo y de la guerra.

Detalle de La puerta de la violencia

La obra está compuesta por varias piezas, la primera es "La Puerta de la violencia" compuesta por dos munumentales esculturas erigidas sobre dos bases de granito traídas directamente de un cercano campo de Concentración Nazi (el campo Matusalén).

La puerta de la violencia

En un lado de la puerta se representan a las famélicas víctimas de la guerra, moribundas y desdeperanzadas, mientras que el otro extremo homenajea a los soldados caídos en la guerra. Cuando el visitante atraviesa la puerta se topa de frente con la siguiente pieza:

El judío lavando la calle

"El Judío lavando la calle", una grotesca escultura de bronce que representa a un viejo judío postrado en el suelo lavando con un cepillo el piso de la plaza, su cuerpo amorfo lleva sobre él ramas espinosas, esta pieza está ahí para que los vienes nunca olviden que cuando los nazis llegaron a la ciudad obligaron a estudiantes, rabínos, catedráticos y a otros destacadas personas Judías a limpiar hincados, las calles de la Ciudad mientras los otros vieneses se arremolinaban para burlarse de ellos.

Detalle de Orfeo entrando en el Hades

Frente al judío que lava la calle se erigen las últimas dos piezas, la primera es "Orfeo entrando en el Hades", Según el mito Griego Orfeo, tras la muerte de Eurídice, tocó tan tristemente su Lira que hizo llorar a todas las musas y a todos los Dioses quienes le recomendaron bajar al inframundo, caminar entre los horrores para salvar a su amada, el escultor liga este mito con el momento terrible en que la guerra cobró la vida de cientos de vieneses, ellos que descendieron realmente al inframundo y cuya Eurídice ,quizá también como en el mito, se desvaneció poco antes de que el sol la alumbrase por completo.

La declaración de la independencia, grabada.

La última pieza es quizá esperanzadora: un enorme monolito sobre el cual están grabadas partes de la declaración de independencia austriaca promulgada sólo dos semanas después del bombardeo.

El monumento ha sido vandalizado por distintos grupos.

Esta obra no es sólo sobre la guerra ni un memorial solemne es un terrible recuerdo del pasado, una provocación contra el olvido pues temerle al pasado por más desgarrador que éste haya sido es algo inaceptable, habría que tenerlo siempre presente, mirándonos a los ojos. Rescatar la memoria de los tiempos difíciles de los pueblos puede ser algo que cause polémica y conflicto, pero ya lo decía Yeats viejo gritando "¡conflico! ¡lo que necesitamos es más conflicto!". Salud pues por Alfred Hrdlicka, un inteligente provocador de la memoria que, ateo como era, espero que no descanse en paz y que su energía se disperse por la tierra hasta convertirse en otra cosa.

Más:

Un vídeo sobre la pieza (en inglés):

Más:

http://www.memoriales.net/topographie/Austria/fascismo.htm

Imagen del día: "The hall of truth"

2009-11-28T11:41:00.000-08:00

Este es un experimento audiovisual creado por Pastorfahlberg, mezclando el noise de Survival Unit con imágenes de pacientes con esquizofrenia, provenientes del archivo de un viejo manicomio, grabadas en 1940. Al parecer la mezcla fue hecha especialmente para Youtube y no pretende ser "arte", pero el resultado es envolvente, nostálgico, fantasmagórico y, en síntesis, escalofriante. Mezclar estas viejas imágenes en donde se observan extrañas pruebas con pacientes esquizofrenicos con el constante zumbar del noise crea una sensación de extrañeza y lejanía: lo que vemos, lo que captamos no son seres humanos ya, sino invocaciones evanescentes de una realidad otra.

Más.

Sickness Abound, discos descargables de noise, experimental, dark ambient.

imagen del día: Paisaje de Zacatecas con Ahorcados II

2009-11-20T11:05:00.001-08:00

Hoy es 20 de Noviembre de 2009, se conmemoran 99 años de la Revolución Méxicana: yo personalmentre creo que las Revoluciones no se conmemoran, se reflexionan, se evalúan. Y la revolución Mexicana, si bien trajo algunos logros en materia social que se dio tras el cambio de Régimen, en realidad es una revuelta aun por consumarse. Los grandes perdedores de la revolución son los campesinos (vapuleados hoy por el TLC y por el narco), los obreros (hoy en desaparción por la falta de inversión en este sector; la clase baja se ha terciarizado, se ha informalizado y por lo tanto se ha fragmentado) y la patria (esa palabra con que se han llenado sus trompas esos que institucionalizaron la revolución).

Es por eso que para recordar y repensar la revolución en este blog no pondremos ninguno de los clásicos murales de Rivera o Siqueiros (quienes, en última instancia, contribuyeron a institucionalizar la Revolución, a volverla inofensiva). Sino una obra más perturbadora, que nos devuelva al pasado resignificado, como algo terrible e incompleto: Paisaje de Zacatecas con Ahorcados II (1914) de Francisco Goitia (1882-1962). Goitia es uno de los pintores más oscuros y descarnados del Siglo XX mexicano; es un poeta de la desolación, que pinta al México que olvidan los libros de texto; el México pobre, solitario, silencioso, derrotado en medio de la violencia revolucionaria. El pintor no estaba alejado de la violencia real y cruda de la Revolución, fue militante Villista, y estuvo presente, como pintor, en batallas como la de Zacatecas, de hecho, se cuenta que utilizaba cadáveres reales como modelos para su serie sobre ahorcados.

En esta pintura los colgados son un símbolo de la sensación de desolación que dejó la revolución, de hecho la planta de la que pende el cadáver central simula un crucifijo: el dolor del pueblo se identifica con el de Jesús en la Cruz; un sufrimiento humano y terrible pero que en si mismo guarda la posibilidad de resurrección. La resurrección es lo que aun está por venir, y no es una resurrección divina, sino humana y social... las revoluciones no se conmemoran, se reflexionan se ponen en perspectiva, se piensan desde las carencias actuales. Recuerdo que en 1909 Porfirio Diaz preparaba ya todo para la celebración del primer centenario de la Independencia, sin sospechar que la rebelión se acercaba, sin embargo en las calles el rumor era cada vez más fuerte: ¡va a caer, va a caer, este gobierno va a caer!...

Más. El museo Francisco Goitia, Zacatecas

Más. Para sentir los vientos de cambio:

http://www.kaosenlared.net/

http://www.aporrea.org/

http://lahaine.org/

Imagen del día: Power 100 list 2009

2009-10-31T07:56:00.001-07:00

Cada año, en el mes de noviembre, la importante revista Art Review publica su esperada -y temida- lista de las 100 personas más influyentes en el mundo del arte. La lista incluye a curadores, galeristas, promotores, coleccionistas y, sí, aunque ud no lo crea, a artistas. La power List de este año ya fue publicada, como era de esperarse, los nombres siguen siendo los mismos, hay pocas sorpresas como la estrepitosa caída de Damien Hirst, quien pasó de ser el número uno el año pasado a ocupar la posición 48 en este, seguramente por su -fallido- retorno a la pintura, o la eliminación del artista urbano Banksy de la lista, pero quizá el cambio más importante, y el más evidente también, es el ascenso en posición de Hans Ulrich Obrist (1968)quien en 2008 estaba en el escaño 35, Obrist es un famoso crítico de arte, curador y fundador del Museo Robert Walser. En el segundo puesto se encuentra Glenn D. Lowry director del MoMA (Museum of Modern Art) de New York , el tercer lugar lo ocupa otro de los clásicos en esta Lista: Sir Nicholas Serota, director de la famosa Tate Modern.

Hans Ulrich, el más influyente

Entre los artistas que aparecen en la lista destacan Bruce Nauman, la leyenda del neón art, en la posición 10, el apropiacionista kitsch Jeff Koons en la 13, el padre del Superflat Takashi Murakami en la posición 17 y los consagrados Richard Serra, Marina Abramovic y Louise Bourgeois en los escaños 58, 55 y 75 respectivamente. destaca también la inclusión de algunos personajes mexicanos, como Eugenio López (coleccionista de la Fundación Jumex) y de la artista mexicana Julieta Aranda en la posición número 8, junto con el ruso Antón Vidokle y con el estadounidense Brian Kuan, por su trabajo en la publicación e-flux

Eugenio Díaz, de la Colección Jumex

Los criterios de evaluación de Mark Rappolt, jefe de redacción de Art Review, y sus-secretos- colaboradores no son claros, al parecer tienen que ver fundamentalmente con intereses económicos y creación de tendencias de gran impacto mediático, los criterios estéticos son en este caso absolutamente periféricos. El arte actual, como sabemos, es un acuerdo, un convenio regido por modas y flujos económicos, en este sentido la lista power 100 es fundamental para el posicionamiento y legitimación de proyectos, perspectivas y tendencias.

Los primeros 11 lugares de 2009 son:

1. Hans Ulrich Obrist

2. Glenn D. Lowry

3. Sir Nicholas Serota

4. Daniel Birnbaum

5. Larry Gagosian

6. François Pinault

7. Eli Broad

8. Anton Vidokle, Julieta Aranda & Brian Kuan Wood

9. Iwona Blazwick

10. Bruce Nauman

11. Iwan Wirth

Más. Ver la lista completa.

Imagen del día: "Story from North America"

2009-10-17T09:31:00.000-07:00

Sí, lo sé, no he subido nada en semanas, esto de hacerse el académico desgasta y quita mucho tiempo, pero bueno, en las ultimas dos entradas se ha hablado de animación, para seguir con esta tendencia presentamos el video "Story From North america" una extraordinaria animación correalizada por el animador Kirsten Lepore y el ilustrador-escritor y músico Garrett Davis. La animación que está realizada de manera sencilla pero con gran calidad con un estilo que raya en lo naif, cuenta una breve y simbólica historia sobre la intolerancia hacia lo diferente, es una oda a la comprensión multicultural en un Estados Unidos que, como todos los paises del norte, está cambiando aceleradamente su rostro debido a la constante migración internacional. Pronto Estados Unidos dejará de ser blanco y protestante para convertirse en una nación de cultura híbrida, Kirsten y Garrett lo saben, y muestran su postura a través de esta ingeniosa metáfora animada. Abajo anexo una traducción libre -hecha por mí- de la canción, :

Narrador: Esta es una historia de Norteamérica...

Hijo: papi, papi, papi, ¡rápido!, ¡he visto algo escabulléndose!

Padre: hijo, ¿a qué se debe todo este griterío? vas a despertar a los vecinos...

Hijo: Papi, creo que hay una araña en el piso. ¿es?, ¿podrías aplastarla?

Padre:...¿tú me llamas aquí, en medio de la noche, para que entre a tu habitación

a destruir la vida? ¿eso es lo que te enseñan en la escuela dominical?

Hijo: pero papá, es asquerosa ¡tiene un millón de patas, un billón de ojos , ¡un trillón de huevos!

Padre: Hijo, no es repugnante, es sólo la realidad. Respira profundo y aprecia la vida. Mira qué delicadas son sus patas con las que se arrastra por tu habitación...¿sabes cuál es su nombre propio?

Hijo: ¡arácnido!

Padre: así es. vivimos en un mundo lleno de creaturas, grandes y pequeñas, peludas y viscosas... no eres el centro del mundo. ¿cómo te sentirías si una mano gigante llegara del cielo decidida a aplastarte?

Hijo: supongo que me asustaría, pero papá ¿ y si la araña me hace daño?

Padre: ella no te ha herido aun,¿ o lo ha hecho, hijo? tu lógica es defectuosa, basada en lo que no ha pasado, ¡trágate tu orgullo!. ¿qué pasaría si la araña dijera lo mismo: "papi, papi, mata a ese niño"?

Hijo: ¡ese es el punto papá!, ¡que tal si sí lo dijo!, es por eso que yo tengo que aplastarla primero!

Padre: ¿que tal si lo hizo? ¿qué tal si no?, ¿ qué tal si el mundo está hecho de flan?, lo que quiero decir es que consideres las cosas más allá de tu sed de sangre...

Hijo: papá, tienes razón, ahora lo veo, tal vez la araña tiene una familia...

Padre: ahora que has aprendido sobre comprender a los demás, por fin te estás convirtiendo en un ser humano. Vamos a devolverla a su habitat natural....¡buena suerte!

Más.

Texto original en inglés

Imagen del día: "Cardboard Monsters"

2009-10-17T08:45:00.000-07:00

Es un hecho, la animación stop motion ha llegado para cambiar el street-art. Ya Blu y David Ellis han trabajado con ella y ahora es el artista holandés Sjors Vervoort,quien trabaja, en su proyecto Cardboard monsters, directamente en la calle animando a sus monstruos y bichos pintados sobre trozos de cartón, creando así un mundo fantástico en el centro mismo de la vida urbana: la calle. Siempre he pensado que el street art es un esfuerzo constante por volver mágicas nuestras ciudades, convertir al peatón en una Alicia en el país de las maravillas, sorprendida siempre por las cosas y seres inesperados que aparecen a cada paso. Vervoort logra crear esa sensación de sorpresa desconcertante con sus monstruos huidizos arrastrandose, escabullendose por los rincones: huidizos monstruos míticos de ciudad.

Más.

Visto en: wooster collective.

Imagen del día: COMBO (2009)

2009-09-30T21:39:00.000-07:00

Blu es el artista urbano más famoso e innovador de Italia y uno de los más importantes del mundo actualmente, David Ellis por su parte, es también un artista urbano pero cuyo trabajo se dirige más al arte de galería y al diseño Gráfico. Blu lleva trabajando desde hace un par de años con la animación stop motion, ahora en esta colaboración don Ellis titulada COMBO, han explorado nuevas posibilidades de esta animación, logrando un resultado en el que se hace más evidente el trabajo manual de los artistas pero también se logra que la pintura interactue con otros elementos creando así una sensación de dinamismo y fluidez que se acentúa gracias a la musicalización y efectos de Roberto Lange. Esta pieza creada para el Fame Festival de Italia -especializado en street art- es quizá el principio de una nueva manera de entender la intervención en espacios públicos por las innovaciones conceptuales que posee, sin embargo, yo, en lo personal, me sigo quedando con el fabuloso MUTO de Blu.

Visto, por alguna extraña razón, en Hazme el chingado favor.

Más (Un poco de documentación sobre el proceso)

Imagen del día: Desaceleración.

2009-09-29T07:09:00.000-07:00

La crisis global no para, y en México, en gran medida por seguir un modelo económico y social ageno a su realidad nacional, ha pegado fuerte; ahora 51% de la población es pobre, sí, ¡la mitad de los mexicanos viven en la pobreza!, ahora quieren aplicar, para salir de la crisis, un impuesto general del 2% "contra la pobreza", cabe mencionar que este impuesto incluye a alimentos y medicinas, por lo que debería de llamarse más bien impuesto contra los pobres. La desaceleración continúa y a los mexicanos sólo nos queda sufrir...o reirnos de nuestra desgracia, como lo hace el famoso cartonista El fisgón en esta caricatura titulada titulada Desaceleración publicada hoy en el diario mexicano La Jornada.

Más.

Imagen del día: Fashion Collaborations

2009-09-21T14:00:00.000-07:00

"Ester" 2006.

"MA-CL." 2007

"Superpoleposition" 2004.

Daniel Firman (1966) es un versátil artista francés que trabaja tanto light art, como escultura e incluso se ha introducido al mundo de la moda. Famoso por su enorme escultura de un elefante parado de trompa, recientemente ha dado un giro hacia la escultura con luz, explorando propiedades físicas como gravedad, peso, forma y equilibrio. Paralelamente a sus obras con neón Daniel sigue trabajando con la figura humana, tal es el caso de su serie Fashion Collaborations, compuesta por tres piezas (arriba) en las cuales la figura humana se vuelve abstracta, pierde su identidad con el observador, al ser ataviada con una abrumadora cantidad de ropa y accesorios. La moda desborda la figura humana, el cuerpo se convierte en un perchero que pasa a segundo término en beneficio del diseño, del cuerpo quedan apenas indicios, ni un rastro de piel humana: en el Imperio de las apariencias, la identidad y la diferencia se construyen con tela.

Visto en: Cassette Art.
Más. (En inglés)

Imagen del día: "saturno devorando a un hijo"

2009-09-19T09:40:00.000-07:00

En memoria de Esteban Cervantes Barrera.

Saturno devorándo a un hijo, de Francisco de Goya.

"Yo pregunto sobre su tumba..."

Yo pregunto sobre su tumba cavada en la montaña:
¿No habrá manera de que este país, en vez de matar a sus hijos,
los haga dignos de vivir?

Si este país no puede responder a esta pregunta,
entonces profetizo una desgracia:
Desquite resucitará,
y la tierra se volverá a regar de sangre,
dolor
y lágrimas.

Gonzálo Arango (1931-1976), poeta colombiano.

Más. Documentando la debacle...

"Este gobierno de criminales". Un hombre abre fuego en el metro de Ciudad de México.

"una revelación divina". Fanático religioso secuestra un avión en México.

"...me decía que había sido muy pobre". Encuentran muerta y marcada a examante del Chapo Guzmán, en el Estado de México.

"me gusta mucho patinar, leer y escribir..." Torturan, mutilan y decapitan a porrista en Tijuana.

"si lo hizo fue por hambre, dice su mamá..." Detienen a Santiago Meza López, El pozolero, quien disolvió en ácido a 300 personas por ordenes del narco.

51% de la población mexicana vive en la pobreza.

Imagen del día: "Una milla de cruces sobre el pavimento" (1979)

2009-09-11T13:44:00.000-07:00

"La historia es nuestra, y la hacen los pueblos"
Salvador Allende

11 de Septiembre de 1973, el ejército traidor a la patria chilena apoyado por la burguesía nacional y comandado desde Washington, lanza un brutal Golpe de Estado contra el gobierno constitucional encabezado por Salvador Allende. La represión del nuevo régimen encabezado por el cerdo lamebotas de Pinochet, se dio a todos los niveles; atacó a la disidencia política pero también al mundo del arte. Como todo Régimen totalitarista, el de Pinochet mantuvo, al menos durante sus primeros años, una dura censura contra el arte, siendo artífice del "apagón cultural, favoreciendo sólo anodinas expresiones que exaltaban la chilenidad y la gloria de los tiempos nuevos, esto influenciado por el franquismo.

En este clima de ataduras, los jóvenes artistas disidentes comenzaron a crear un nuevo tipo de arte chileno, crítico, conceptual pero al mismo tiempo cercano a la realidad y a la sociedad. El grupo CADA (Colectivo Acciones De Arte) se especializó en obras callejeras con las que la gente se topara sorpresivamente en su camino cotidiano. Entre sus miembros se encontraba la artista plástica Lotty Rosenfeld, quien, en paralelo a sus trabajos con el Colectivo, realizó la acción Una milla de cruces sobre el pavimento ( o más correctamente la serie de acciones, pues la ha realizado en distintos lugares de Chile, y distintos paises como EUA y Alemania) . La acción consistió en cruzar horizontalmente una linea blanca sobre las lineas de transito de la avenida Manquehue, entre Los militares y Avenida Kennedy , creando así decenas de cruces sobre el pavimento, un recuerdo persistente de los miles de muertos de la Dictadura, una suma repetitiva, una transgresión a la normatividad urbana en contexto de represión, un gatillazo de memoria.

En el documento de la acción, impreso en 1980 por ediciones C.A.D.A., se lee el siguiente texto escrito por Diamela Eltit y Eugenia Brito:

“III EL PAVIMENTO DE SANTIAGO

el área urbana de santiago de chile es un tiempo objetivado

bajo el duro armado del cemento laten vidas

subrayamos la imposibilidad de recoger esas vidas/solamente

la posibilidad de un reeencuentro una resurrección en

nuestro inconsciente. “

En DESACATO, una publicación sobre la obra de Lotty Rosenfeld editada años mas tarde, la crítica de arte Nelly Richard resume la trascendencia de la acción de las cruces: "“Lotty Rosenfeld trabaja en contra de la desmemoria. Combate el olvido desde la incansable repetición de una huella idéntica a sí misma: desde lo imborrable de esa huella que insiste y persiste –a lo largo de todo un periodo- en imprimirse contra la muerte por omisión. “
Pocos años después la Dictadura terminó, Pinochet murió sin pagar, pero el silencio de los muertos sigue siendo fuerte, persistente, esperan aun su momento; la historia es nuestra...

El último discurso de Salvador Allende
Más sobre arte en dictadura.

Imagen del día: Memorial del Holocausto, Berlín. .

2009-09-02T16:49:00.000-07:00

¿por cuánto tiempo uno debe sentir culpa?
¿podemos superarlo?
-Peter Eisenman-

Hace exactamente setenta años, el primero de septiembre de 1939 las tropas alemanas comandadas por Hitler comenzaron su invasión a Polonia, dando inicio a la Segunda Guerra Mundial, el principio del fin del sueño del progreso occidental, la liberación de los Búhos de Goya, de los monstruos de la razón.

El mundo nunca volvería a ser el mismo, el significado de guerra, horror, ciencia e infierno cambiarán dramáticamente, se volverán terribles, dolorosamente cercanos. El orgulloso hombre occidental se descubrió igual de vulnerable y contradictorio que todos los demás hombres, fue una dura lección de humildad para occidente, pues esta vez nosotros (los tercermundistas, los latinoamericanos, los africanos, los asiáticos, los que algún tiempo no fuimos dignos de ser llamados humanos o de tener alma según el pensamiento imperialista eurocéntrico), los otros, los miramos, como dice Sartre, atónitos, sorprendidos, horrorizados, pues nunca en nuestras historias recientes se había visto tanto odio, tan racionalmente planeado, tan técnicamente limpio, tan perfectamente brutal.

La vieja Europa hoy se llena de discursos y lamentaciones, que en ocasiones nos suenan un poco vacíos al ver las atrocidades que han cometido recientemente pero ahora fuera de su continente (como la guerra contra Irak o la ocupación Palestina), la pregunta es ¿cómo recordar el dolor de los campos de concentración?, ¿cómo homenajear a los caídos, cómo preservar la memoria ?, lo más adecuado sería guardar un significativo silencio.

El silencio, el vacío, es la única forma posible para recordar y honrar a los muertos de esa guerra. En 2005 se inauguró en Berlín, cerca de Brandemburgo el memorial del Holocausto. La "pieza" creada por el arquitecto Peter Eisenman cerca de donde estuviera el Búnker de Hitler ocupa una superficie de 20, 000 metros cuadrados, sobre la cual se erigen cientos de paralelepipedos, algunos con una altura de centímetros y otros de casi cuatro metros. El memorial no tiene entrada ni salida principales ni inscripciones, los visitantes pueden caminar entre las estructuras de concreto (sólo cabe un visitante a la vez por los estrechos pasillos que forman los paralelepipedos), adentrandose en un mundo silencioso, angustiante, estéril y racional. La obra no es alegórica, apuesta por lo sensitivo, por la desnudez, por el silencio y el vacío, pues lo inconmensurable, ya sea bello o terrible, no puede contenerse en alegorías terrenas, ruidosas, antropomorfizadas, limitadas. No es un monumento al olvido, ni para el pueblo Judío, es un enorme recordatorio de cemento para la humanidad: de esto somos capaces, de esto somos capaces, de esto somos capaces.

Por mi falta de capacidad para hablar más de este terrible momento que partió la historia en dos, completo la presente entrada con el famoso y significativo poema de Martin Niemöller titulado popularmente "Cuando los nazis vinieron por los Comunistas":

Cuando los nazis vinieron a llevarse a los comunistas,
guardé silencio,
porque yo no era comunista,

Cuando encarcelaron a los socialdemócratas,
guardé silencio,
porque yo no era socialdemócrata,

Cuando vinieron a buscar a los sindicalistas,
no protesté,
porque yo no era sindicalista,

Cuando vinieron a llevarse a los judíos,
no protesté,
porque yo no era judío,

Cuando vinieron por mí,
ya no quedaba nadie que pudiera protestar.

Más. entrevista al creador del monumento.

Imagen del día: "Alte Pinackothek", una selección

2009-08-29T10:59:00.000-07:00

Stéphane Lallemand (Estrasburgo 1958) es un artista conceptual y fotógrafo francés que trabaja constantemente con el desnudo femenino. En su serie Alte Pinakothek recrea grandes desnudos del arte clásico, como la Bañista de Valpinçon (arriba). Las fotografías resultantes son extremadamente pictoricistas y cargadas de humor e informalidad, una forma de desmitificar a los grandes maestros. Algunas son recreadas fielmente, mientras que en otras él aparece en el papel de acompañante de la modelo, vestido con ropa contemporánea dando al traste la ilusión clasista, claro, a propósito. Quizá las más interesantes son en las que recrea al artista haciendo su trabajo, evidenciando esa relación complice y erótica o descaradamente sexual que mantienen la modelo y el artista en el momento de creación.

La gran Odalisca (arriba) fue pintada en 1814 por Ingres, en su momento no fue muy bien recibida por la crítica, por tener proporciones decididamente anormales, sobre todo por su alargada columna que tiene "tres vertebras suplementarias", sin embargo esto fue hecho a propósito por Ingres, pues buscaba crear una belleza irreal y rítmica retomando elementos manieristas, no quería simplemente copiar la realidad, sino crear una belleza mítica, Lallemard lo sabe y por eso eligió a esta modelo tatuada con una deforme columna vertebral.

La venus del espejo de Velázquez fue pintada al rededor del año 1648, su gran innovación fue el espejo que sostiene Cupido, pues a través de él la diosa de la belleza mira al espectador, reduciendo la distancia así entre lo real y lo representado. En la versión de Lallemard el espejo es una tabla, no hay reflejo, se cancela la relación entre la modelo y el espectador, y en lugar de hijo de Venus, Cupido, aparece el propio fotógrafo acomodando la escena, evidenciando lo terrenal del montaje.

1866, el provocador pintor Gustave Courbet, termina la que será una de sus obras más escandalosas: El origen del mundo, en donde se muestra un pubis femenino de manera explícita. La pintura es repudiada por la comunidad artística del momento, sin embargo es de gran valor temático, pero más aun es una gran contribución a la perspectiva, la posición que retrata Courbet supera por mucho la perspectiva clacisista, creando una imagen dinámica y cercana nunca antes vista en el arte occidental. Lallemard en esta ocasión no recrea la pintura sino el acto de pintar: se imagina como el pintor apasionado pero también formal y técnico para crear una obra innovadora y correcta en términos anatómicos, es por eso que su versión se llama "el origen de la perspectiva".

No estoy seguro si la versión que nos presenta Lallemard es una actualización de la obra titulada "Ninfa dormida sorprendida por los Sátiros" ( 1627) de Nicolas Poussin, pero parece plausible pues la temática es la misma aunque no tanto las posiciones y menos la escenografía. Esta versión me gusta en particular por su humorismo desfachatado y sin grandes pretenciones: la modelo como una inocente ninfa dormida, el creador como el Sátiro acechante con su "erección perpetua" cubierta apenas por la sabana verde.

Más.

Imagen del día "Svayambh" (2007)

2009-08-22T12:49:00.001-07:00

En marzo de 1939 abrió sus puertas (tras tres años de construcción) en Munich el colosal museo Haus der Kunst, dedicado al arte heroico, nacionalista y anacrónico que proponían los nazis. La exposición se llamó "Große Deutsche Kunstausstellung " (La gran exhibición del arte alemán), en contraste, poco tiempo después se inauguró en el segundo piso la muestra "Entartete Kunst" (Arte degenerado), compuesta por obras decomisadas por el régimen nazi, por ser consideradas degeneradas, modernistas o simplemente judías. El objetivo era ridiculizar a las vanguardias y a todo el arte moderno; las pinturas fueron colgadas chuecas o de cabeza y las paredes pintadas con frases burlonas. Entre las obras que se pudieron ver en esta exposición de escarnio popular, se destacan cuadros de Chagall, Max Ernst, Kandinsky, Klee y Piet Mondrian, la muestra fue un éxito, de hecho tuvo más visitas que la Gran Exhibición del Arte alemán. Tras la Segunda Guerra Mundial, el museo se convirtió en oficinas del ejército norteamericano y desde 1946, quizá para limpiar la infamia histórica que ahí se cometió, el museo se convirtió en recinto de exhibición de arte contemporáneo.

En 2007 se presentó ahí una exhibicón retrospectiva impensable en tiempos de Hitler; una revisión de la obra escultórica del artista indio Anish Kapoor, (1954) quien además de exhibir sus obras famosas, también realizó una pieza especial para tal ocasión, un ajuste de cuentas histórico con el museo. La pieza se llama "Svayambh" (que se podría traducir como lo autogenerado, lo que se genera a sí mismo) y consiste en un enorme bloque de cera, vaselina y pintura montado sobre rieles que avanza lentamente a través de tres salas, entrando por las puertas majestuosas embarrándolas de color rojo y dejando tras de sí un rastro de masa espesa que hace seguramente alusión a la sangre. Así una y otra vez el colosal bloque rojo entra en el Haus der Kunst, la revancha del arte de vanguardia que no sólo entra sino que lo hace varias veces manchando la pulcritud del monumental palacio blanco, es una obra violenta, agresiva, pero al mismo tiempo lenta, calmada, como el largo devenir de la historia.

Más Anish Kapoor.

Imagen del día:Françoise Gilot & Genevieve Laporte, 3 dibujos.

2009-08-14T15:54:00.000-07:00

Hoy es 13 de agosto, en 1926 nació Fidel Castro, uno de los personajes más influyentes, contradictorios y provocadores del siglo XX, cuando Fidel festejaba su cumpleaños numero 20, murió otro gran provocador, también de izquierda, el escritor de ficción H. G. Wells. 15 años después, otro 13 de agosto, se comienza a construir el muro de Berlín, que dividirá a Alemania en dos, todo en nombre del Comunismo más reaccionario. Históricamente el 13 de agosto ha estado ligado, de una u otra forma, a la izquierda, por ejemplo el 13 de agosto de 1975 se fundó en Estados Unidos la Organización Internacional de Zurdos (sí, de zurdos). Pero quizá más importante que todos estos acontecimientos, el 13 de agosto es también mi cumpleaños, jeje, yo, por cierto, me declaro -sin empacho- como izquierdista y, bueno, también soy zurdo, y admirador de Wells y Castro (aunque con él casi nunca estoy de acuerdo), es intersante descubrir como la historia nos conecta coincidentemente por una fecha.

Pues bueno, para festejarme me regalo ( y les regalo) dos dibujos de Picasso, no son quizá los más famosos pero para mí siempre han sido de una gran belleza y sensualidad, es por eso que los he elegido para agasajarme. Los primeros dos son retratos de su mujer Françoise Gliot (hermosa, leonina, mitológica con su eterna ceja levantada como gesto de soberbia o indiferencia) el otro (abajo) es un desnudo de una joven llamada Genevieve Laporte, la historia es interesante, era 1944, Picasso vivía en París, ya era mundialmente famoso y tenía más de sesenta años, una tarde una jovencita de 16 años tocó su puerta, quería una entrevista para su periódico escolar, don Picasso aceptó y la invitó a volver en otra ocasión. Ella era una parisina bellisima muy culta para su edad y el pintor la acogió como amiga, caminaban por las tardes, tomaban chocolate, él le prestaba libros y platicaban largamente, era una relación inocente que duró poco porque ella tuvo que partir. Tiempo después volvió, tenía ya 23 años y su belleza y cultura habían madurado, Picaso ya casi pisaba los setenta años pero eso no impidió que comenzara ahí una secreta relación amorosa (en esos momentos Picasso vivía con Françoise Gilot), se veían los miércoles y él la dibujaba una y otra vez, casi obsesivamente. Pronto Françoise lo abandonó, pero él seguía frecuentando a Genevieve con quien rejuveneció, volvió a las fiestas, a la vida pública y, claro al sexo, haciendo pensar en lo cierto de las palabras de Jaime Sabines "la única recomendación que considero, seriamente, es la de buscar mujer joven para la cama, porque a estas alturas la juventud sólo puede llegarnos por contagio". Ella fue su musa inspiradora durante cuatro años, los dibujos que Picasso creó en este periodo son sencillos, hechos rápidamente con pocas lineas, sin embargo, creo, que estos retratos rápidos sintetizan el ideal de belleza de todo el arte occidental, su sencillez, su aparente descuido y abstracción no son gratuitos intentos de huir de la realidad, sino por el contrario, son un intento por sumergirse en ella, en su esencia.

La Joven Genevieve, dejó a Picasso a cuatro años de iniciar su relación, salvándose así de la maldición que sufrieron varias de sus mujeres; por ejemplo Dora Maar vivió como hermitaña desde que terminó su relación con el artista y Jaqueline Roque, se suicidó de un balazo. Los dibujos que Picasso le regaló a su joven amante, fueron guardados por ella durante décadas y hasta ahora se han hecho públicos, para ser subastados, con el objetivo de, dice la propia Genevieve, limpiar el nombre de Picasso, dice "Han hecho de Picasso un macho, un monstruo, un tipo que llegó a apagar un cigarrillo en la mejilla de su esposa. Basta con mirar estos dibujos: ahí sólo hay ternura, creo que eso es evidente...Ese conjunto de dibujos prueban lo que era ese hombre: amor, respeto y dulzura"

Picasso amó profundamente a la mujer y en estos retratos condensa su amor y su deseo pero también su ternura, estos dibujos sencillos son la esencia del amor romántico, en sus lineas se refleja la belleza femenina, pero también la belleza del enamoramiento. ante esta explosión de cadencia y ritmo sólo nos queda disfrutar, contemplarlas es re-enamorarse, al menos por un momento.

¡a mi salud!

Más. Un excelente artículo al respecto.

Imagen del día:"La carga de las lanzas" (1915)

2009-08-12T19:36:00.000-07:00

Este año es el aniversario número 100 de la publicación del manifiesto Futurista escrito por el poeta italiano F.T. Marinetti. Este manifiesto publicado en Le Figaro: era el principio de la gran demolición del arte clásico y sus valores. El futurismo es el primer movimiento que se lanza feroz sobre los cimientos de la tradición, es el preludio de las salvajes vanguardias históricas (dadá, surrealismo, etc). Veloz, audaz, ingenuo, agresivo, el futurismo pronto se extendió por toda Europa como una explosión de dinamita, sí, justo como el manifiesto lo exigía y así, rápido también desapareció.

Italia a 100 años festeja a los artistas a los que temió y despreció alguna vez. Exposiciones y festejos sobran dentro y fuera de La Bota (como FUTURISM en la Tate Modern, o la exposición Futurismo 100, que presentan 3 museos distintos de Italia, además de las actividades callejeras), sin embargo todo esto tiene un halo de carnaval y de casa de los sustos que no corresponden al espíritu transgresor Futurista, quizá el único homenaje consecuente fue el que realizaron los nuevos futuristas (transgresores, críticos y de derecha, como debe ser un buen futurista) encabezados por Graziano Cecchini (un famoso artista neoconservador) quienes irrumpieron en un elegante salón de conciertos de Milán para anunciar efusivamente el centenario del futurismo, dejando a la concurrencia sorprendida, además de anunciar la creación del nuevo manifiesto Futurista.

A modo de homenaje aquí presentamos una potente obra del pintor Umberto Boccioni, quien, consecuente con el ideal futurista (que alababa la guerra como purificación) dejó los pinceles y se alistó para combatir por Italia en la Primera Guerra Mundial donde perdió la vida a los 34 años en 1916, dejando una serie de obras maravillosamente dinámicas y agresivas como esta, La Carga de las Lanzas, en donde se aprecia a un feroz combatiente montado en su caballo que galopa findomable (representa a Italia venciendo a sus enemigos), la pintura fue terminada poco antes de que Umberto partiera, para no regresar, a la Guerra.

No queda más que decir ¡salud! por los futuristas, ¡salud por el escándalo y la provocación, que hacen tanta falta en un mundo cada vez menos impresionable y tan aburrido!

(el manifiesto futurista original de 1909)

Más, Futurismo 100 años. Masdearte.

imagen del día: "el Rollo Ripley"

2009-08-09T18:14:00.000-07:00

George Ripley fue un monje agustino que vivió en el siglo XV, paralelamente a su actividad religiosa viajó por Europa en busca de conocimientos ocultos. Tras años estudiando libros antiguos y prohibidos comenzó a escribir sus propios textos sobre alquimia, todos en verso. Siempre fue un potentado y tuvo durante décadas el apoyo papal, esto en gran medida debido a que regularmente hacía fuertes donaciones económicas a la iglesia. Se supone que, tras sus estancias en varias ciudades importantes europeas, volvió a su natal Inglaterra en posesión de uno de los más grandes secretos de la alquimia: La piedra filosofal la cual tiene el poder de transformar materiales innobles en oro, pero no sólo poseía la piedra sino que sabía como producirla, para transmitir esta sabiduría creó su famoso pergamino o "Rollo" (de siete metros de largo y casi uno de ancho) en donde describió paso a paso el método para crear la piedra, pero claro, este proceso sólo podía ser leído por expertos pues fue escrito en forma de criptogramas pictóricos. Tras su muerte el pergamino fue reproducido varias veces por copistas anónimos, actualmente se conservan 20 copias (16 en Inglaterra y 4 en EUA), de las cuales el que aquí presentamos (realizado aproximadamente en 1570) es el que se encuentra en mejor estado.

Los simbolismos que presenta son complejos y no hay acuerdo general en cuanto a su significado, sin embargo es posible inferir que la figura enorme de la parte superior representa a Hermes Trismegisto (Ἑρμῆς ὁ Τρισμέγιστος, que en español sería "Hermes el tres veces más grande") , famoso personaje semimitico de la antigüedad y gran maestro fundador de la alquimia, también se podrían inferir algunos pasos del proceso, sin embargo, aun sin comprender su contenido, el rollo es de un indiscutible valor estético, la cadencia y misterio de este colosal rollo son para disfrutarlos detenidamente. Pues bien sin más preámbulos aquí les dejo a uno de los más misteriosos tatarabuelos de los actuales libros de artista: El rollo Ripley

Más versiones del Pergamino.
Visto en: Ars Secreta.

Imagen del día: "Michael Jackson"

2009-08-09T11:38:00.001-07:00

La fiebre por el rey del pop no cesa y los marchantes del arte no podrían estar fuera de este carnaval lleno de jugosas ganancias, es por eso que un coleccionista anónimo ha decidido exhibir un retrato del rey del pop, realizado por el rey del pop-art, Andy Warhol, en la arena 02 de Londres (donde se llevaría a cabo la última serie de conciertos de Jackson). Después de unos días de exhibición (que seguramente aumentará su valor por el acto simbólico), la obra creada en 1984 será subastada (el 18 de agosto 09) en la Vered Gallery de Nueva York, con un precio de salida de $800,0000.00 dólares, que seguramente será ampliamente superado (de hecho el precio fue puesto antes de la muerte de Michael). En la página de la Vered Gallery se lee, para provocar a los posibles postores, una pregunta maliciosa ¿What is it woth? ¿what is a legend worth? (¿cuál es el valor?, ¿cuál es el valor de una leyenda?).

El valor de esta obra es más emotivo y simbólico que estético, pues esta pieza fue creada cuando Warhol gozaba ya de una gran fama renovada gracias a sus alianzas con nuevos talentos como Jean Michel Basquiat, sin embargo era ya duramente atacado por la crítica especializada debido a la falta de originalidad de sus ultimas piezas. Eran tiempos de comercio y arte industrial, Warhol hacía retratos, no ya de personajes admirados o amigos, sino de cualquiera que estuviese dispuesto a pagar por ello como empresarios, personajes de la alta sociedad y músicos, entre ellos, incluso, Miguel Bosé. La obra (una de las 5 copias que existen) fue creada (muy probablemente por los ayudantes de Warhol) por encargo de la revista Time para su portada de agosto del 84 (para celebrar el record de ventas del disco Thriller) y no posee en sí innovación estética alguna, y está despojada de la ironía kitsh característica de las mejores obras de Warhol. Su verdadero valor radica en factores extra estéticos (aunque, la obra es técnicamente impecable y potente en su combinación de colores), como el hecho de que ambos fueron reyes del pop y que ambos están muertos, a esto se le agrega un valor añadido; la obra está siendo exhibida en una arena vacía, escenario de una serie de conciertos que jamás se dieron, esto le da un valor de reliquia que conserva en sí, la fuerza simbólica del vacío adquirida por el simple hecho de haberse colocado ahí a modo de homenaje. Como las grandes reliquias artísticas de la cristiandad la obra de Warhol se carga simbólicamente en el templo de adoración: la arena de concierto.

Más. Yahoo! Noticias.

Imagen del día: "Blowjob 3"

2009-08-08T14:36:00.001-07:00

Es el museo de arte moderno de Varsovia, Polonia a finales del 2008. Como parte del festival Aint not Sorry se anunció la presencia del artista Wojciech Kosma apoyado por la joven cantante y performer Jeki Saborov. La multitud ya esperaba a la joven quien entró a la sala del museo (en dónde sólo había un micrófono bajo, una copa, un par de audífonos y dos altavoces), se hincó frente al micrófono, se ajustó los audifonos, bebió de un trago el vino de la copa y se acercó al micrófono, lo besó y comenzó a succionarlo, algunos asistentes sonreían nerviosos, otros con franca cara de asco se salieron ofendidos de la sala, sólo porque una joven lamía un micrófono encendido. El performance creado por Kosma se llama Blowjob (felación), esta acción más o menos banal resulta interesante pues convierte al acto de succionar en sonido, la intención se completa cuando el sonido producido por la boca al chupar es escuchado en tiempo real gracias a los audífonos que aislan al practicante, concentrándose así en el placer rítmico que genera su propia boca, en ese momento los asistentes se convierten en sorprendidos voyeurs, son intrusos observando la intimidad de un acto puramente sensual, individual, egoísta, ella, de cierta forma, está sola en esa sala, aislada disfrutando del placer que ella misma se provoca al crear sonidos con sus movimientos de labios y lengua. Como en la pornografía, el espectador sólo puede tener una idea de la sensación del practicante, esto gracias a lo que ve y a lo que escucha a través de los altavoces, pero no es parte del acto, es un ente periférico, un intruso que sexualiza la situación al observarla (y es que, a fin de cuentas, es sólo un micrófono).

Este performance pude ser realizado por cualquiera (también lo han hecho hombres), pues el propio Wojciech Kosma ha dado su aprobación en este documento, sólo pidiendo que si lo documentan lo envíen a su web. La invitación está abierta.

Más.
Visto en VVORK

Imagen del día: "If H. had Been a Hippie how happy would we be" (selección de piezas)

2009-08-08T11:03:00.000-07:00

Él era un niño apasionado por el dibujo y la arquitectura, sin embargo su padre Alois -un seco agente de Aduanas sin estudios- le prohibió seguir una carrera en artes pues deseaba que su hijo fuera, como él, un agente al servicio del Estado. A pesar de los azotes del padre, el joven seguía dibujando y perfeccionando su estilo, pronto, como un gran respiro, el padre murió. A los 17 años el joven e "incomprendido artista" (como se describe a sí mismo en una autobiografía) estaba ya decidido a convertirse en pintor profesional por lo que, despidiéndose de su madre y de su incondicional amigo August Kubizek (quien conservó por décadas los bocetos que el joven dibujante le regaló) viajó a Viena con la firme intención de ingresar a la Academia de Bellas Artes. Estudió y preparó obras durante un año, Fue rechazado. lo intentó de nuevo al año siguiente, una vez más la respuesta fue negativa "dedícate a la arquitectura" decían las cartas. La pobreza lo amenazaba, cuando él apenas tenía 19 años murió su madre de un fulminante Cáncer, el joven comía en hospicios para vagabundos y sobrevivía a duras penas vendiendo sus pinturas como baratijas en las plazas, nunca comprendió a la Viena de principios del siglo XX. Frustrado y pobre pronto abandonó sus sueños de una vida apacible de pintor, se alistó en el ejército para pelear en la Primera Guerra Mundial y prontó comenzó una trascendental carrera en el mundo de la Política alemana que llegaría a su cumbre al convertirse en el Tercer Reich de Alemania, sus dibujos y pinturas permanecieron dispersos y desconocidos hasta hace pocos años, cuando se subastaron decenas de ellos autentificados gracias a su emblemática firma: "Adolfo Hitler".

Entre los compradores de estos dibujos se encontraban los hermanos Jake & Dinos Chapman, (famosos artistas de la generación de los Young British Artists) quienes gastaron más de 200, 000 dólares para adquirir 17 acuarelas (además de unos óleos) pintadas por el Fürher para "trabajar en ellas". En 2008 presentaron en la galería White Cube la exposición "If Hitler had been a Hippie how happy would we be" (" Si Hitler hubiera sido Hippie, qué felices seríamos todos") la cual estaba compuesta por las sombrías obras de Hitler "decoradas" por los hermanos Chapman con motivos hippies como arcoiriris, flores y corazones. El contraste entre el forzado academicismo de Hitler y el desparpajo de los añadidos de los Chapman es de un humor terrible sobre la humanidad y propicia de nuevo las reflexiones en torno a lo frágil de la vida humana y de la historia, pues ¿qué sería del mundo contemporáneo si el joven Hitler, huérfano y pobre, hubiese sido aceptado en la Academia de Artes de Viena -dirigida, en ese entonces según él, por Judíos-?

Más de la exposición.
Más: Los hermanos Chapman "vandalizan" grabados de Goya

Imagen del día: "Madonna" (1992)

2009-08-02T20:41:00.001-07:00

Madonna

"Lo mío es el loco intento de pintar el tiempo"
Alberto Gironella

Un dos de Agosto, hace 10 años ya, murió en su casa de Valle de Bravo (México) Alberto Gironella, surrealista complejo, "rupturista" por coincidencia, difícil y provocador por convicción. Su obra, que bien podríamos denominar como "culta" (más cercana a dadá y a los montajes de Alan Glass en lo formal que al típico surrealismo pictórico) es amplia, oscura, laberíntica, sin embargo toma en ocasiones giros inesperados, como en el caso de su serie sobre Madonna -aquí presentamos una de esas obras- , la famosa cantante Pop. En una entrevista dijo incluso que ella era una de sus almas gemelas (junto a Arthur Craven y Valle Inclán), su interés en ella radica, según explicó alguna vez, en su capacidad provocadora, en su belleza y en su terrible soledad, así pues Gironella retrata icónicamente a uno de los rostros más importantes de una nueva mitología; la artista pop de los massmedia, un ser tan cercano como artificial, tan humano como divino, real, pero al mismo tiempo imaginario.

Gironella se mofaba de aquellos que no comprendían el potencial icónico, sensual y subversivo de Maddona, exclamó, ya en sus últimos años de vida que "Madonna es maravillosa y eso no lo quieren admitir los diplomados, los enmedallados y los premios nobeles (...) si hablas con los solemnes te dicen que Madonna es una puta porque explota su imagen sexual, sin embargo yo no la pondría ahí junto a Buñuel y a Zapata si no creyese en ella". 10 años hace ya que Gironella pasó a "otra instancia del tiempo", y aun no se ha cumplido su última voluntad: que su casa se volviera un museo para exhibir su obra y la de otros, ahí en su húmeda propiedad yacen solitarias, entre otras piezas, sus Madonnas que, enamorado de ellas, nunca quizo vender. L os motivos principales por los que no se ha consumado la idea del museo son simplemente el desinterés, la incomprensión y , peor aun, el desconocimiento por este cabrón, provocador, inteligente, burlón y magistral gran maestro, Alberto Grionella, un artista cuya obra, como escribió Octavio Paz, cabalga entre la plástica y la poesía visual en donde el tiempo se diluye.

Más. del Museo que no ha podido ser. (La Jornada)

imagen del día: acción "Please, don´t take me into a Gallery" una entrevista.

2009-07-26T18:56:00.000-07:00

El stuckismo es un movimiento artístico que surge en 1999 con una consigna central: "artistas que no pintan, no son artistas", es un movimiento que está en contra del arte conceptual y procesual arguyendo que no es arte. La posición stuckista puede entenderse en el marco de los remodernismos, movimientos que proclaman de nuevo los ideales del arte moderno (e incluso clásico) en contraposición a los valores del arte conceptual. Este movimiento se ha extendido rápidamente durante los últimos años, y han surgido incluso subvariantes tal es el caso del Hartismo, creado en Galicia España, pero que sin embargo se ha extendido rapidamente a países como México y Argentina.

Poseen un blog: http://hartismo.blogspot.com/ que es al mismo zona de contacto, área de debate, sala de prensa y foro de exposición. Para propagar su propuesta decidieron recientemente realizar su primera acción pública titulada "Please, don´t Take me into a Gallery" (no me metas a una galería) que consiste basicamente en pegar pegatinas con esta y otras leyendas sobre basura y mobiliario usado usualmente por artistas conceptuales, a modo de queja, ironía y claro, burla. Accidentes Perfectos se ha puesto en contacto con ellos y nos han concedido una breve entrevista hablándonos un poco al respecto, salud y agradecemos a Anxo Valera por su pronta respuesta:

Acción en Ferrol

P: ¿qué es el stuckismo y cual es su relación con el hartismo?

H: El Stuckismo es un movimiento surgido en Londres en 1999 que básicamente, viene a decir lo mismo que también pensábamos nosotros sobre el arte contemporáneo. Lo hemos conocido de forma profunda bastante tardiamente, porque en nuestro escepticismo, dudábamos de que una visión escéptica del arte como la suya fuese auténtica. Demasiadas veces el arte oficial se disfraza de falsa autocrítica, por lo que, como buenos gallegos, desconfiábamos de que el Stuckismo fuese genuino.

Pero lo era, de modo que cuando, de una forma casual decidimos fundar un movimiento y recuperar el espíritu de la ACME (1994) pero a cara descubierta, el Stuckismo estuvo siempre como referencia.

Nuestra relación actual con el movimiento Stuckista es de colaboración y amistad. Formamos también parte de su red internacional, sólo que nuestro grupo se ha extendido espontáneamente mucho más allá de Galicia, que era la idea inicial.

Acción en la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra

P: ¿cómo surge la idea de las acciones "please don´t take me into a gallery" y cuales son sus objetivos concretos?

H: En realidad todo parte de haber encontrado, en los primeros momentos del Hartismo, la fotografía de una pegatina en un blog argentino (http://www.marioalbarracin. blogspot.com/), el del artista Mario Albarracín, que fue uno de los primeros en unírsenos. Indagamos, y encontramos que esta pegatina había sido creada por un español residente en Italia, Abel Zemogleba, vinculado al street-art. Con esta pegatina ganó un premio internacional importante de stick-art. Le contamos la idea que teníamos ya entonces para esta acción-protesta, y accedió. Incluso, Abel se ha convertido en un buen amigo y simpatizante del Hartismo.

Acción en Santiago, que el arte conceptual es una mierda dicen (Coff Coff, Manzoni)

P: ¿qué opinan de artistas que viajan entre las artes "clásicas" -como pintura, grabado, etc- y el arte conceptual y procesual, qué hay de estos creadores que tienen capacidad técnica y temática probada pero que no desestiman los trabajos conceptuales, qué opinión os merecen?

H: Creemos que puede haber diversas motivaciones. Supongo que una de ellas, muy importante, es la parte de fama y éxito económico. Pero en mi opinión esto de estar "a las duras y las maduras" es un autoengaño, porque el arte y el arte conceptual son partidos opuestos y lo que se hace en uno de ellos va en detrimento del otro.

Explicándolo de otra forma: el arte cuida la forma, el trabajo formal, el artista como trabajador; el conceptualismo exalta la ocurrencia y proclama la fe en la divinidad del artista. Son actividades diferentes, y realmente no habría razón alguna por la que alguien no pudiese ser a la vez artista y gurú conceptual. Ocurre como con la ciencia y la religión. No habría razón alguna por la que alguien no pudiese ser, a la vez, científico serio y creyente. Pero el problema es cuando las dos actividades se expanden en el mismo campo. Un científico que deje invadir el campo de la ciencia por sus creencias místicas deja de ser un buen científico. Lo mismo ocurre cuando un artista expone en una galería unos cuadros y después él mismo ataca esa faceta con un conceptualismo que invade e invalida su trabajo formal con misticismos que vienen a decir que la forma, que su trabajo formal no importa.

Como siempre hay gente para todo, y habrá quien no haya profundizado en ello y deslumbrado por los catálogos, premios y reconocimientos conceptualistas crea que ser artista conceptual no lo invalida como artista "formal". Pero se equivoca. La fe conceptualista exige dedicación completa, igual que cualquier otra fe. No se puede servir a dos señores a la vez, como dice la Biblia. Y, o te dedicas al arte o te dedicas al anti-arte, ambas fuerzas se anulan mutuamente. Cuando un artista se convierte al conceptualismo sus trabajos van disminuyendo en calidad, y formalmente se vuelven repetitivos. Se auto-castran como artistas en pos de la "pureza" conceptual.

Acción en Nueva York

P: ¿algo que quieran comentar por último?

H: El Hartismo, como ya digo, ha superado nuestras expectativas, y sigue haciéndolo. Esperábamos que alguna gente simpatizara con nuestro movimiento, porque en realidad supone una visión escéptica del arte y como tal es normal que otros escépticos se vieran reflejados.
Pero no esperábamos que fuese ni tan rápido ni tan sonado. La prensa se volcó con nosotros de una manera que no esperábamos, antes incluso de nuestra presentación mundial en Octubre. La gente empezó a felicitarnos, a darnos muestras de cariño inesperadas y espontáneas. Con gran placer fuimos encontrando gente muy interesante por todo el mundo, en América nos encontramos con una gran sintonía tanto en Argentina como en México y otros países... la comunidad que se ha ido formando en torno al Hartismo es realmente lo más gratificante, lo más estimulante y bonito de este movimiento.

Ahora el reto está en lograr el mismo calor al pasar a la acción en el mundo real. Tras esta primera acción semi-presencial, (Don't Take) y el ensayo de las reuniones y tertulias locales, el día 28 tenemos planificada nuestra primera convocatoria totalmente mundana, en Santiago de Compostela, en la que esperamos que participen bastantes pintores hartistas y no hartistas, y que artísticamente es la primera acción que celebraremos antes de nuestra primera exposición hartista abierta a todo el mundo, a final de año.

Acción en México.

Agradecemos de nuevo la entrevista de los compas Hartistas y salud por las iniciativas, pues el arte es algo que se ha de debatir constantemente, reformular, críticar, desmantelar.

Más fotos.
Checa el Blog Hartista acá.
Más sobre stuckismo y pintura actual aquí (artículo de Perzona)

imagen del día: "evolución del retrato femenino"

2009-07-21T20:19:00.000-07:00

Este video se encuentra en la página de entrada de la famosa galería Saatchi (sí uno de los artifices del -no tan inocente- retorno de la pintura) y muestra la "evolución" (en realidad el arte no evoluciona, sino que se modifica, cambia según las necesidades de su tiempo) del retrato femenino en el arte occidental, partiendo de obras paleocristianas y concluyendo con Picasso, el recorrido con un interesante efecto (que ya se ha visto en otras ocasiones) que fusiona bellamente los rostros femeninos creados por los grandes maestros de los últimos XVI siglos. ¿quién no se ha enamorado alguna vez de una mujer que aparece en una pintura? yo por mi parte sigo cautivado por la extraña y discreta -casi anonima- mujer sentada en el café pintado por Edward Hopper en su Chop Suey.

No tengo datos de quien creó este video ni de cuales fueron sus motivaciones iniciales, pero es muy disfrutable.

Más, la Saatchi Gallery.

imagen del día: "B A N D E R A"

2009-07-20T16:55:00.001-07:00

para instalar la bandera

Tres banderas ondeantes

Sobre un canal en Venecia

"mientras alguien proponga muerte sobre esta tierra
y se fabriquen armas para la guerra
yo pisaré estos campos sobreviviendo.
Todos frente al peligro sobreviviendo
tristes y errantes hombres, sobrevivendo"

-Victor Heredia-

Vivo en México, he sido asaltado más de cinco veces (a cualquier hora del día), he presenciado un par de persecuciones policíacas, en Tijuana vi policías recién asesinados por el narco y casi soy víctima de otro acto delictivo, me han extorsionado, al menos, 5 policías, en Michoacán me quisieron robar varias veces una cámara que no cuesta más de mil pesos, conozco al menos a cinco vendedores de droga, conozco 2 personas que han sido encarceladas siendo inocentes, al menos 3 personas que conocía han sido asesinadas, se han metido a robar a mi casa una vez, en la puerta de entrada hay un agujero hecho por una bala pérdida, hace un mes robaron el auto de un familiar estacionado en mi calle, hace medio año torturaron y asesinaron al padre del barrio, dentro de la iglesia ¿de qué otra cosa podríamos hablar?

¿De qué otra cosa podríamos hablar? es el nombre de la exposición que presentó la artista Mexicana Teresa Margolles en la Bienal de Venecia 2009, su temática es la violencia que desangra cotidianamente al país. En este México dominado por tres peligrosas mafias sanguinarias -La clase política, y las dos burguesías: la legal y la ilegal- que han sumido al país en la narcomiseria, el arte no se puede quedar al margen, el arte, nuestro arte, el latinoamericano, ha tomado siempre una postura valiente ante los problemas que aquejan a la población, Margolles con su depurado e impactante estilo logró abrir los ojos de miles de personas en Venecia, sacando a la vieja Europa acomodada de su mundo de fantasías pop, para devolverlos a la realidad terrible que se vive en el mundo, mostrándoles un arte no de deleite, sino un arte para sufrir, directo, seco, como un balazo en la nuca.

La muestra está compuesta por varias obras; joyas creadas con trozos de metal y vidrio recogidos directamente de lugares donde fueron asesinadas personas relacionadas con el narcotráfico, telas cubiertas de lodo y sangre que se escurren en los salones, tarjetas repartidas a los visitantes con imagenes de ejecutados de un lado y con la leyenda "tarjeta para inhalar cocaína" del otro, etcétera. Quizá una de las obras más simbólicas es Bandera, instalación colocada afuera del pabellón: en su balcón principal, que da a un antiguo canal veneciano, se colocaron tres banderas, a la izquierda una reluciente bandera de la Unión Europea, símbolo de la unidad y del progreso humanista, del lado derecho la bandera de Venecia ondeando en nombre de la tradición y al centro un trapo rojo teñido con sangre real recolectada en las calles de México una vez que los cuerpos de los muertos eran recogidos, esa, es la bandera de México. El día de la inauguración cayó sobre Venecia una fuerte lluvia, la bandera enrojecida, agitada por el viento y la lluvia, escurría sangre mezclada con agua, eran las lágrimas de sangre de todo un pueblo, la sangre se disolvía en el canal ante la mirada silenciosa de los visitantes quienes observaban, sin saberlo y por primera vez, el funeral de una nación.

Margolles con su obra terriblemente dolorosa logra acercarnos de golpe a la realidad , para que nunca, nunca, la brutalidad y el asesinato nos sean indiferentes, para que no huyamos de la terrible verdad de que "nos están matando. ¿o nos estamos matando?".

La violencia no está afuera, no es de otro, el problema no es ajeno, el problema es nuestro, tanto del tercer mundo como del primero; es problema del campesino indígena que la siembra en México o Colombia, pero también del policía corrupto, del vendedor de armas en EU y de los jóvenes que, hablando de revolución en Europa, fuman mariguana ensangrentada sin darse cuenta que su supuesta libertad de drogarse, causa la muerte de miles en nuestros países, como siempre EU y la vieja Europa disfrutan de la diversión y el auge económico obtenidos gracias a la superexplotación de otras regiones del globo, mostrando una sucia cara liberal a quienes han despojado históricamente, a quienes pagan con sangre los caprichos de sus niñatos, a los que pisamos este mundo sobreviviendo.

Más. (dos artículos excelentes en Réplica 21)

Imagen del día. Exposición "Black Maths" una selección.

2009-07-20T10:36:00.000-07:00

La matemática desde la antigüedad ha sido punto de partida para numerosas expresiones artistas; desde los geométricos mosaicos árabes y los efímeros mandalas de la India, pasando por la regla de tercios creada por los griegos y el descubrimiento de la profundidad a finales del medioevo europeo, hasta los sistemas creados por los vanguardistas geométricos como Piet Mondrian o el mexicano Manuel Felguérez, incluso programas de diseño gráfico como Illustrator e InkScape (basados en gráficos vectoriales) tienen como base fundamental a la matemática (algunos como punto de partida, otros como objetivo a alcanzar).

Las figuras geométricas, los fractales y la mezcla compleja de ángulos pueden crear cuerpos artificiales de gran belleza y elegancia, así lo demuestra el artista newyorkino Andy Gilmore quien, con ayuda de programas especializados, crea sorprendentes composiciones geométricas con ecos casi musicales ( y es que él también es músico interesado sobre todo en la física del sonido).

Desde el 11 de Julio al 22 de agosto se presenta en la Pool Gallery de Berlin su obra bajo el título Black maths (matemáticas negras) de la que seleccionamos algunos trabajos.

Más Andy Gilmore
Más arte y matemáticas
Visto en Today and Tomorrow

imagen del día. "Sarah Walking"

2009-07-17T16:38:00.000-07:00

Julian Opie es un famoso artista inglés, su estilo inconfundible se ha convertido en ícono del arte contemporáneo cool. Partiendo de fotografías o pequeños clips de video Opie, con ayuda de una computadora, reduce a lineas elementales los rostros y cuerpos (principalmente femeninos), sin despojarlos de su sensualidad natural. "Sarah Walking" es una pequeña animación creada a partir de un video, destaca la sencillez, la sensualidad y la cadencia en los movimientos.

Más (en inglés)

imagen del día: Corto "el otro sueño americano"

2009-07-17T09:53:00.000-07:00

Pronto comienza en la ciudad de Guanajuato México el fesitval "Expresión en corto" enfocado a la difusión del cortometraje tanto mexicano como internacional, esto será del 24 de julio al 2 de agosto del 2009, es por eso que presentamos uno de los cortos mexicanos más premiados de los últimos años: "El otro sueño americano" (2004) del mexicano Enrique Arroyo ganador de premios en los festivales de La Habana y Bilbao, además obtuvo el Gran Premio del Jurado del prestigioso certamen Clermond- Ferrand (conocido como el Cannes del corto) en 2005. El corto es de corte realista, con una estructura sencilla pero sólida y retrata sin artificio -pero sin concesiones- la brutalidad cometida contra mujeres en Ciudad Juárez Chihuahua, narrando la breve historia de Sandra, Joven Prostituta migrante. Un cortometraje brutal, seco, cruel, como leer el periódico día a día en este país que se desangra.

Más de Expresión en Corto.